En faisant des recherches pour l’article précédent, trouvé cette citation du producteur défunt :
« We have no obligation to make history. We have no obligation to make art. We have no obligation to make a statement. Our obligation is to make money. »
No comment.
Derrière ce titre ringard se cache la meilleure nouvelle de l’année, à savoir la traduction en français de du mieux titré High Concept: Don Simpson and the Hollywood Culture of Excess, la biographie de Don Simpson signée Charles Fleming.
Une biographie séminale pour CineFast, puisque suite à un extrait publié dans Vanity Fair en 1998 (merci Ingela), je cherchais à me procurer à tout prix ce livre, introuvable en France. Je le dénichais l’année suivante dans un Barnes & Nobles de Bakersfield (et croyez-moi, les vendeurs US sont bien plus incultes qu’à la Fnac).
C’est comme si j’avais trouve les manuscrits de la Mer Morte. Dans un genre où les américains excellent (la biographie non-autorisée), High Concept est passionnant à plus d’un titre. D’abord, c’est un livre qui parle de la production, alors que la plupart des ouvrages consacrés au 7ème art se focalisent sur les acteurs et les réalisateurs. Ensuite, il s’attaque aux Simpson-Bruckheimer, producteurs honnis car ultra-commerciaux et républicains : nous avons déjà eu l’occasion de dire ici tout le bien que nous en pensions. Enfin, fidèle à l’école américaine, c’est écrit de manière efficace (ça se lit comme un roman), tout en étant extrêmement bien documenté et étayé. Bourré d’anecdotes trash et en même temps analyse travaillée de l’évolution du business dans les années 80… ce qui nous change des équivalents français : un travail à la fois sérieux et agréable à lire.
On suivra donc avec passion les aventures de l’Oncle Don à Hollywood : attaché de presse dans les années 70, producteur hardboiled dans les années 80 (Flashdance, Le Flic de Beverly Hills, Top Gun), acteur mort-né (Jours de Tonnerre), cocaïné, lifté, dans les années 90 (Bad Boys, USS Alabama, The Rock). Il dépensait alors 60 000 dollars par mois chez le pharmacien. Sexe, drogue, et antalgiques…
Don Simpson est mort bêtement (meurt-on autrement ?) : dans ses toilettes, nu, un livre à la main. Il avait 52 ans.
Box-office, Don Simpson, le producteur le plus déjanté d’Hollywood
Charles Fleming
Edition Sonatine
Voilà un film attendu. Nous avions dit tout le bien de ce que nous pensions du 4×4 hybride sorti du garage Spielberg/Bay. Quand je dis nous, j’exagère un peu, car je me suis révèle assez seul dans la défense du monstre : beaucoup n’ont pas compris cette passion soudaine pour les jouets Hasbro. Et ceux qui ont aimé n’osent pas le dire trop fort, de peur de subir les lazzis des gens de leur âge.
Pas de risque avec les enfants, qui adorent les suites, et réclamaient donc déjà Transformers II pendant la projection du I. Mais bon, l’estomac est un peu noué à l’entrée de l’UGC (les suites, on sait ce que ça vaut…)
En bref, Transformers II, c’est plus haut, plus loin, plus fort. Connaissant le goût Bruckheimerien de la surenchère, il ne fallait guère s’attendre à mieux de son disciple, signataire du déjà bodybuildé Bad Boys II. Donc, Transformers II, c’est plus de bastons, plus de robots, plus d’explosions, et plus de dialogues-mitraillettes. C’est le défaut de Revenge of The Fallen, c’est son péché de gourmandise. Il faut être membre de l’école High Concept pour filmer une scène a priori déchirante (Megan Fox pleurant le héros mort) avec derrière, un hélico au ralenti* !
A part ça, Transformers II comme Transformers nous renvoient directement dans la cour de récré, à jouer avec nos Matchbox et nos Goldoraks en criant booom ! Et tatatata ! Un moment, on s’y croirait presque : les Decepticons détruisent méthodiquement la Grande Pyramide d’Egypte, et Michael Bay filme Gizeh comme un gros tas de sable. Les robots tombent comme des petites voitures jetées d’une main enfantine ; elles ricochent les unes sur les autres en soulevant des gerbes de sable.
On s’y croirait.
Merci messieurs.
* Jerry Bruckheimer l’avouait au moment de son excellent mélo Le Plus Beau des Combats : « Je n’avais jamais fait ça : c’est la première fois qu’il n’y a pas d’hélicoptère dans mon film »
Ouille ouille ouille !!! Quoi de pire qu’un amour déçu ? Quand on a adoré les deux précédents opus (le coup d’essai/coup de maître Versailles Rive Gauche, l’essai transformé Dieu Seul Me Voit), on attendait forcément beaucoup de la troisième partie, d’autant que toutes les familles du cinéma français y était représentées (Les Inconnus, Les Nuls, Les Desplechins, Le Patrimoine (Arditi-Deneuve-Aumont)…)
C’est peut-être derrière ce casting, trop grand pour être honnête, que se cache le vice de forme de Bancs Publics (Versailles Rive Droite),car voilà un film qui pue les fausses bonnes idée. Si chacun est parfait dans ses deux minutes d’apparition, on peine à trouver une cohérence de fond…
Ce qui mène à la deuxième mauvaise idée : le film choral, sans idée force derrière. De quoi veulent parler les frères Podalydès ? De la vie sclérosante du boulot ? Du vide abyssal du bricolage ? Des gens qui se croisent dans se voir ? Un peu de tout ça certainement, mais ça ne fait pas un film. Bancs Publics fait au contraire penser à ce genre de dîner où quelqu’un raconte une anecdote, et tout le monde se dit : « Mais c’est incroyable ! Ça pourrait faire un film ! »
Ben non.
Un film, ça s’écrit, ça se construit. Écrire beaucoup et jeter beaucoup (ce qui choque notre sacro-saint respect de l’auteur, et notre haine des producteurs, tout aussi incompréhensibles l’un que l’autre)
Un bon exemple de cela : Liberté Oléron, des mêmes frères Podalydès. Une idée force (le père sympa mais dictaueur), une critique gentillette (les passionnés de nautisme) et une construction (Pas une scène qui dépasse).
Mieux, une comédie qui ose passer à la tragédie horrifique…
On redemande de ça, messieurs…
Ça, c’est de l’or en barre ! Quand le Professore tombe là- dessus, il doit en faire profiter le CineFaster.
Dans Paris-Match daté du 29 juin (Bambi en couverture), critique dithyrambique (comme d’hab’) du dernier Woody Allen. Je passe : rien de nouveau sous le soleil. Suivi de deux pages d’interview du Maître : je lis, car si Allen est un cinéaste moyen, c’est un vrai amoureux du cinéma, et un excellent théoricien.
Et la, tatatatata (musique de Star Wars), question du journaliste, citant Philip Roth, écrivain US acclamé par les mêmes qui encensent Woody, accrochez vous : « Woody Allen n’existe qu’à cause de la naïveté européenne ! »
Je ne me vois pas ajouter quelque chose…
PS : Si, quand même : Je me souviens avoir lu dans Studio (oui, j’ai lu un temps cette revue glacée, personne n’est parfait), une interview technique très intéressante de Woody Allen : casting, cadrage, techniques de mise en condition des acteurs, le new yorkais était (et reste, je pense) passionnant…
Bien que Bambi n’ait rien à faire dans CineFast – son œuvre cinématographique est proche de zéro -, il a sa place dans la grande légende Hollywoodienne, celle de l’Age d’Or (1920-1930), pour être précis.
On a du mal à imaginer, nous qui sommes si obsédés par l’idée de progrès des civilisations, et si fiers de nos libertés chèrement acquises, à quel point Hollywood ces années-là était plus décadent, sexe, trash, violent, que nos gentillets Tom Cruise d’aujourd’hui, dont les frasques se résument à une séance de prière à l’Eglise de Scientologie, une biture par ci, et un adultère par là. Pour comprendre il faut lire Hollywood Babylon de Kenneth Anger, ou s’intéresser à la vie de Michael Jackson, martyr des temps modernes.
Sans raconter à nouveau ce que tout le monde sait – contraint et forcé – des turpitudes de M. Jackson depuis un quart de siècle, force est de constater que la vie du gosse de Gary, Indiana, reste sa plus belle œuvre artistique, œuvre visionnaire de notre XXIème siècle débutant.
En cumulant scandales, lubies, frasques, tabous divers, Michael Jackson nous a présenté, avec vingt ans d’avance, le film de notre futur.
Le métissage
En brisant, le plus gros des tabou américains, à savoir la ségrégation, Michael Jackson n’à pas seulement réussi une performance artistique (être le premier noir au Top 50 blanc, le premier noir à passer sur MTV), il a aussi poussé la logique jusqu’au bout, et fini par devenir métis, puis blanc, jusqu’à l’absurde : le teint diaphane de la mort. Réduire les races à zéro, voilà un thème furieusement actuel.
L’auto-ingéniérie
Sans inventer la chirurgie esthétique (nombreux prédécesseurs à Hollywood), Michael Jackson en est le chef d’œuvre ultime : la peau, les cheveux, le nez, la bouche, le front, où est passé le playboy des années 70 ? Mais aujourd’hui, sans aller jusqu’à l’extrême Jacksonien, qui n’est pas prêt à remodeler un bout de son corps : refaire ce nez, réaligner ces dents, augmenter ses seins ?
La paranoïa pédophile
En étant à la fois victime (et probablement coupable), Michael Jackson anticipe notre monde actuel, entièrement tourné, (et de manière absolument insensée), vers les enfants, leurs besoins, la satisfaction immédiate de leurs désirs. Qui est MJ, sinon un enfant qui a grandi trop vite ? Ses fameux pantalons trop petits pour lui, ses socquettes blanches d’ado… lui peut tout s’offrir : peluches, jouets, et amis (plus trop) de son âge ?
Le village global
Avec un We Are The World prémonitoire (You are the World, Michael !), MJ s’est imposé comme la vraie star mondiale, que les Beatles, Elvis, avait préfiguré. Bien sûr ces derniers avaient rencontré un succès mondial, mais pas aussi universel que celui que Jackson allait rencontrer : Noir ou blanc, straight ou gay, riche ou pauvre, occidental ou pas, chaque foyer dans le monde avait une télé pour le voir danser, un CD pour passer ses disques, une radio pour l’entendre. Sa mort est un événement gigantesque, qui arrête le cours du temps, de l’actualité, ce à quoi n’arrivera jamais un Bob Dylan, un McCartney, un Bowie dont l’œuvre le mérite pourtant cent fois plus…
C’est dans ce sens-là que MJ est une star définitivement Hollywoodienne, qui égale Howard Hughes, dans la démesure, la célébrité… Fatty Arbuckle, pour les passions coupables… Gloria Swanson, pour les caprices… Erich von Stroheim, pour la démesure neverlandienne…
Les années 20, vous dis-je… Mais dans une Babylone Blade Runnerienne du troisième millénaire…
La photocopieuse à scénario a encore frappé ! Working Title, qui mérite de plus en plus son nom, récidive dans la feelgood comedy la plus crasse qui soit. Retour sur une escroquerie.
Au départ, il y a l’excellent 4 Mariages et un Enterrement : comédie fine, gags drôles, fin feelgood mais pas trop, parce que la vie, c’est plus compliqué que ca…
Surfant sur le carton, les angliches remettent le couvert, et là ça dégénère, enchaînant le pire au pire : Coup de Foudre à Notting Hill, Love Actually, Bridget Jones, comédies de plus en plus sucrées, de moins en moins acérées. Et voilà aujourd’hui, Good Morning England.
Sur la base de l’histoire vraie de Radio Caroline, une radio pirate qui forma les goûts rock de millions d’anglais, Français, Belges, Allemands, Good Morning England brode une histoire qui ne tient pas debout : le « héros », jeune adulte, est envoyé sur le bateau pour faire son éducation. Il y rencontre une galerie de disc-jockeys improbables : pourquoi pas. Il y apprend un Terrible Secret Familial qu’il n’est pas difficile de deviner, il y perd un élément très important de l’adolescence (je vous laisse imaginer). Ensemble ils affrontent d’horribles censeurs britanniques (bêtes, laids, méchants, coincés)… Seul justement Kenneth Branagh, dans une performance hallucinante de ministre fasciste, arrive à nous sortir d’un irrémédiable ennui…
Bon, c’est caricatural, ce qui, vous me direz, est logique dans comédie. Mais le pire n’est pas là. Ce qui manque à Good Morning England, c’est une (ne serait-ce qu’une seule !) once d’originalité. A chaque scène, vous devinez la fin. A chaque tirade d’un personnage, vous devinerez la réplique.
Quand le héros sort de la chambre où il vient de perdre son pucelage (ah zut je l’ai dit !), et ferme doucement la porte : surprise ! Tout le monde est là ! Etonnant, non ? Quand les deux DJs ennemis se lancent un défi : oh, ils montent au mât du bateau ! Toujours plus fort, le premier se jette à l’eau, eh bien, l’autre, il fait pareil ! A aucun moment, la moindre surprise ne vient rompre le monotone tic-tac du scénario, d’autant plus pénible qu’il est englué dans les bons sentiments, la gentillesse dégoulinante, les réparties toujours aussi brillantes, glacées, et sophistiquées de la fameuse « comédie britannique » dont on nous rebat les oreilles…
Ce n’était pourtant pas le cas de 4 Mariages, où le mauvais esprit venait en permanence titiller cette belle mécanique.
Mais dans la salle, tout le monde riait : quel affreux sentiment, d’être le vilain petit canard, de ne pouvoir participer à cette messe chronométrée…
Ah, Vegas ! Poubelle de l’Amérique, égout de ses turpitudes refoulées (sexe, drogues, mafia) ! Source d’inspiration pour Hollywood, mais pas tant que ça : Showgirls, Leaving Las Vegas, Very Bad Things, et maintenant, Very Bad Trip, en plus clair The Hangover (la gueule de bois)*.
Avoir piqué le titre du déjà excellent (mais noir) Very Bad Things, n’est pas forcement une bonne idée, car contrairement à son aîné, c’est une excellente comédie dont il s’agit ici.
Le pitch, sans trop en dévoiler** : trois copains vont enterrer la vie de garçon d’un quatrième, jeune bourgeois friqué, qui se marie le lendemain à une toute aussi bourgeoise héritière. Les copains ? Un beau gosse, prof à la ramasse, qui n’aime pas trop ses élèves, un dentiste en couple avec une virago castratrice (ce qui l’oblige à camoufler sa virée vegassienne en stage œnologique dans la Napa Valley !), et le troisième, frère de la marié, limite idiot du village. Le cocktail promet, et ça va se confirmer !
Car au petit matin, douloureux réveil : la chambre est ravagée façon Led Zeppelin : de la lingerie féminine traîne de ci de là, des fauteuils brûlent encore, le dentiste a perdu une dent et… bien sûr, le fiancé a disparu !
Nos compères ont donc 24 heures pour retrouver, dans leurs souvenirs très embrumés, ce qui s’est passé pendant la nuit, et, partant, la trace du marié…
Si ce pitch ne tient pas forcément la distance, et devient un peu mécanique vers la fin, le film tient par l’excellence des comédiens, la finesse des personnages, et l’inventivité du scénario…
A tel point qu’Hangover 2 est déjà dans les tuyaux !
Si vous alliez déjà voir le premier ?
* L’immense défouloir que représente Vegas, ou la tradition du Spring Break sur la Côte Est, reste un grand sujet d’interrogation pour les latins en général, et les français en particulier.
** La bande annonce dit tout, malheureusement…
Des raisons d’aller voir Woody Allen, il n’y en a, en vérité, que deux : la mauvaise, et les bonnes. La mauvaise – la plus fréquente, avouons-le -, c’est le sempiternel : « Tu l’as vu, le dernier Woody Allen ? » ; mais mon pôôôvre, si c’était le dernier, ça se saurait !!!
Les bonnes raisons sont beaucoup plus rares, et ne sont jamais assorti d’une garantie de résultat. Ainsi, aller voir Hannah et Ses Sœurs parce qu’il y a Carrie « Princess Leia » Fischer : mauvaise pioche ! Voir Match Point pour Scarlett Johansson, bonne pioche…
Cette fois-ci, ma raison sera Larry David.
Larry qui ?
Mais faut sortir les gars ! Larry David, le co-createur de Seinfeld, le créateur-auteur-interprète de Curb Your Enthousiasm, la vraie-fausse téléréallité avec des vrais gens d’Hollywood dedans !!!
Parfait alter ego de Mr Allen, on devrait s’en donner à cœur joie dans Whatever Works, le modèle 2009 de la WoodyAllen co….
Ou pas.
Vous l’aurez compris, à CineFast – et contrairement au cinéphile moyen -, on n’a rien contre le sport, et même les sports de masse, comme le football, si souvent boudés de nos amis intermittents du spectacle*.
Ceci n’est pas un blog sur le sport, mais rien n’empêche d’en parler, la saison étant propice. Après un article sur rugby, il est intéressant de s’interroger sur leur cinématographie (voulue), et leur dramaturgie (non voulue, certes, mais quelque peu dictée par les règles). Le plus étonnant, en ce moment c’est sûrement le tennis, et Roland Garros en particulier. Pourquoi ?
On s’y attache rarement, parce qu’il fait partie de la culture française, mais le tennis est un sport très bizarre. Système de score alambiqué (15, 30, 40 au lieu de 1-2-3), limites de terrain ésotériques (on utilise les marques du Double alors que l’épreuve n’est pas retransmise), et organisation pléthorique : 9 arbitres, 6 ramasseurs de balles pour 2 pauvres joueurs.
Et surtout, un des rares sport où l’on ne connaît pas la durée de jeu : 40 minutes ou 5 heures ? Pourquoi ? Parce qu’au tennis, il faut blesser au moins deux fois l’adversaire de suite pour gagner. Blesser, plutôt que marquer, car le tennis s’apparente en fait à une joute (on dit d’ailleurs tournoi). Nous voilà revenu, pour ce sport aristocratique, au moyen âge !
Un sport tout à fait élitiste où il faut se taire comme à l’opéra, ou l’on tend la serviette au joueur, qui ne se baisse jamais pour ramasser une balle, et au fair play absolu (on attend l’adversaire avant de servir) ; toute cette considération pour le sport le plus cruel qui soit, qui ressemble souvent plus à une mise à mort qu’à autre chose.
Les larmes de Federer, dimanche dernier à Roland Garros, participent de cette dramaturgie. Le noble chevalier Roger, portant haut les couleurs de sa gente dame, a corrigé le soudard Söderling, et, triomphant enfin dans la lice du Roi de France, pouvait enfin verser de nobles larmes.
*anecdote personnelle : lors d’un week-end à la campagne avec des copains travaillant dans l’Usine à Rêves, et voulant organiser un match de foot, je fus obligé de racler les fonds de tiroir pour organiser un semblant d’équipe. Il fallut les tirer un par un de leurs transats. L’un d’entre eux se fit énormément prier « Je ne sais pas jouer / J’aime pas le foot ». Après un « T’as pas le choix » énergique, et une heure de jeu, le gus en question se révèle Zidane de la journée. Au retour, je complimente l’épouse de Zizou sur les talents de son mari. Réaction mi-étonnée, mi-effarée : « TOI, TU JOUES AU FOOT ??? » Quelle déception, après tant d’années de mariage !