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Commentaires et/ou Conseils d’achat de DVD – Peut dégénérer en étude de fond d’un auteur



mercredi 12 mai 2010


Leningrad
posté par Professor Ludovico

On peut faire avec Leningrad ce qu’on s’interdit toujours de faire : écrire la chronique, alors même qu’on na pas fini le film. Après une heure de cette pesante coproduction internationale, on sait déjà ce qui ne va pas, et que ça ne va pas s’arranger…

Comme toute les coproductions, c’est salade russe obligatoire : acteur irlandais (Gabriel Byrne, que viens-tu faire dans cette galère ?), américain (Mira Sorvino, pas au mieux de sa forme), et russes (illustres inconnus).

La nouveauté, c’est qu’avec l’image de synthèse, les effets spéciaux, le cinéma « progresse ». L’image, dans Leningrad, bénéficie de toutes ces avancées (images ultra-saccadées, explosions grandioses, Messerchmitts en flamme, etc.)

Le problème, c’est que ces belles images ne sont au service de rien. On essaie de nous émouvoir sur le sort de la ville (son siège dura 800 jours et tua un million et demi d’habitants), on essaie de personnifier cette histoire au travers d’une courageuse policiers russe et d’une journaliste americaine solidaire (et l’inévitable « Everything’s gonna be alright », ben non, chérie…), mais c’est trop gnangnan pour qu’on y croit une seule seconde.

Quand deux jours plus tard, on achève – c’est le mot – Leningrad, le réalisateur semble si peu croire à son intrigue-prétexte « Gabriel Byrne retrouvera-t-il Mira Sorvino ? », que la fin du film arrive sans même que l’on s’en rende compte.

PS Sur le même sujet, lisez plutôt Central Europa, le chef d’oeuvre de William T. Vollman




lundi 26 avril 2010


The Square
posté par Professor Ludovico

L’instinct du CineFaster, c’est ce qui lui reste quand il a tout oublié. Il y a quelques jours, je vous disais tout le bien que j’avais pensé de dix minutes de The Square, entrevue en zappant entre Panique dans l’Oreillette et Extreme Makeover: Les Maçons du Cœur sur AB1. Samedi après-midi, avant de faire le grand saut vers la Bretagne profonde, l’île lovecraftienne sans wifi ni 3G, avec l’angoisse sourde d’en rester prisonnier à jamais pour cause de blockbustérien volcan islandais, je me suis gavé de films avant de partir : La Loi et l’Ordre, pas si mal, mais désolant pour les Rolls Royce Pacino/de Niro, et, vers une heure du matin, pas rassasié, j’ai regardé The Square.

Ne mâchons pas nos mots : ce film australien est une petite perle, comme seul le polar peut en fournir. Le pitch est classique : Raymond Yale, cinquante ans, contremaître de chantier, partage une relation adultérine avec Carla Smith, coiffeuse, déjà en couple avec un beauf aux relations louches… Un sac plein de billets va précipiter les amoureux dans le drame. On pique le sac, on commandite un incendie « accidentel », et on fuit ensuite, ailleurs, loin…

Évidemment, rien ne marche comme prévu, et nos amants terribles, qui ne sont pas des gangsters, ne font qu’aggraver leur cas.

C’est un des succès du film : ne jamais céder à aucune facilité scénaristique, et, au contraire, appliquer sournoisement le poids glauque des réalités : les soupçons de l’épouse, les difficultés professionnelles du contremaître, les maladresses inévitables de ces criminels amateurs, jusqu’à leur conclusion logique.

L’autre génie de Nash Edgerton, co-scénariste et réalisateur de The Square, c’est d’avoir confiance dans le cinéma.

La confiance dans le cinéma, c’est la marotte du Professore. Ca veut dire quoi ? Tout simplement, que nul n’est besoin de dialogues lourdement explicatifs, de caméras virevoltantes, de montages hachés, ou de scènes d’exposition bêtasses pour faire progresser l’intrigue. Cinéastes visés : Jeunet, bien sûr, qui se cache derrière la perfection de chaque plan, Les Tudors (et leur tendance Rois Maudits à présenter chaque personnage), ou Dany Boon, dans un autre genre, et la soupe Cht’i.

Nash Edgerton, lui, sait tout ce qu’on peut faire avec un simple champ/contrechamp (la splendide scène du pique-nique, chroniquée ici), ou simplement, d’acteurs qu’on laisse travailler (David Roberts et Claire van der Boom, formidables dans le couple maudit). Un simple rictus engendrera une terreur sans nom, et un regard fera comprendre vingt minutes d’intrigue.

On attend la suite, Mr Edgerton !




dimanche 25 avril 2010


La Loi et l’Ordre
posté par Professor Ludovico

Je n’avais pas voulu, à l’époque, voir La Loi et l’Ordre en salle, et même refusé des places pour une avant-première en présence de Pacino et De Niro : j’aime trop les acteurs, pas envie d’être déçu par les deux bonshommes en vrai. Bon, mais quand ça passe sur Canal, qu’est-ce qu’on risque ? J’ai donc maté La Loi et l’Ordre un samedi après-midi, entre Toulon-Perpignan et The Square.

Au final, ce n’est pas si mauvais que ça (c’est ce qu’on dit quand on a été agréablement surpris par un bon hamburger, non ?)

La Loi et l’Ordre, c’est l’histoire de deux flics à l’ancienne (nos deux compères, évidemment, déjà trop vieux pour le rôle)

Le problème, c’est que Turk (De Niro) s’est mis en tête de jouer les justiciers : il abat les criminels que la justice a relâché en laissant des poèmes pour signer ses forfaits. En même temps, il pourchasse (avec son partenaire (Pacino) et deux jeunes flics (Donnie Wahlberg et John Leguizamo)) ce mystérieux serial killer de criminels. Avec quelques surprises rigolotes, des seconds rôles sympas (Curtis Jackson, aka 50 Cent, pas mauvais), ça pourrait être pas mal.

Mais le principal problème, c’est ce que les producteurs ont considéré comme leur principal actif : le tandem De Niro/Pacino. Peu crédibles en duo de flics sexagénaires, ils promènent leur immense talent, inutilement, dans cette série B. N’importe qui aurait fait l’affaire, sûrement mieux, et sûrement plus crédible.

Mais surtout, pendant tout le film, on pense à Heat, l’affrontement magistral de ces deux monstres, le taureau de Niro, et le Rottweiler Pacino.

Depuis, on cherche en vain un film à leur mesure.




vendredi 16 avril 2010


No Direction Home (première partie)
posté par Professor Ludovico

Allez, un peu de rock… Je suis né à la musique du diable par Pink Floyd (The Wall, il y a pire, croyez moi !), puis Bowie, puis les Stones, les Pistols, les Clash, etc.

Mais depuis vingt ans, il n’y a qu’un artiste que j’écoute tous les jours, c’est Dylan…

Au delà du cliché de folkeux à guitare (qu’il fut le premier à rejeter), cliché qui empêche généralement le béotien d’« accéder » à son univers, il faut bien comprendre que Dylan est le plus grand poète américain du XXème siècle.

No Direction Home, c’est le documentaire réalisé sur Dylan par Scorcese, grand amateur de rock s’il en est. Ne vous attendez pas néanmoins à un deuxième The Last Waltz, ou un deuxième Shine a Light, c’est-à-dire une captation d’un quelconque concert du Bob à Bali ou à Berlin (Dylan est en tournée depuis des années, le Neverending Tour). Cette proposition est en effet hautement improbable : un concert de Dylan, c’est comme la roulette russe : une fois sur six, c’est pas mal…

Non, No Direction Home est un vrai documentaire, chronologique, sur le Shakespeare de Hibbing, Minnesota. Donc, en gros, une interview du Poète (filmée de façon inexplicablement floue ???), des interview des comparses (Joan Baez, Pete Seeger…), des femmes (Joan Baez, Suzanne Rotolo…), quelques photos noir et blanc, et des images de concert à profusion.

Fil conducteur de la première partie : le concert de Newcastle, 1966, où Dylan affronte, comme il va le faire tous les jours pendant un an, une foule hostile, mais chaque fois plus nombreuse. Objet de cette ire ? Dylan – sacrilège ! – est passé à la guitare électrique.

Scorcese utilise ce concert comme un os, et ajoute de la chair dessus : explications des débuts par des témoins, interview du Maître, contexte historico-sociologique, etc.

Mais il ajoute aussi au concert quasi-punk de Newcastle des témoignages de fans transis, qui doivent donner un peu d’humilité, d’ailleurs, à l’amateur de rock, de techno, de rap, ou tout simplement, au CineFaster !

Les Dylaniens de 1966 y brûlent ce qu’ils avaient adoré en 65 : « Traître ! Judas ! Prostitué !» Ces fans, pourtant jeunes, visiblement cultivés, sont incapables de voir que Dylan est entrain de faire, c’est-à-dire transformer cette musique de fond en comble, de la pervertir pour en faire une machine de guerre à textes. Après Dylan – comme on le voit dans l’excellent documentaire de DA Pennebaker réalisé à la même époque, Don’t Look Back – les Beatles ne pourront plus jamais écrire de chansons gnangnans.

Donc, cher CineFaster, attention : nos excommunications d’aujourd’hui sont peut-être nos grossières erreurs de demain…

La deuxième partie après les vacances : une semaine sans films, sans télé, sans série, mais peut-être avec un peu de foot. Mort au Bayern !




mardi 13 avril 2010


Tonnerre sous les Tropiques
posté par Professor Ludovico

Une parodie d’Apocalypse Now. Une parodie de Platoon. Une critique du système des Oscars. Une critique des agents. Et des cinéastes européens qui se la pètent… Et de acteurs américains Actors’ Studio qui se la pètent…

Il y a forcément un truc pour vous dans Tonnerre sous les Tropiques, la comédie fourre-tout de Ben Stiller. Ne vous méprenez pas, ce n’est pas The Fatties, la comédie pétomane…

On le voit, on n’est pas vraiment chez les Monty Python, mais plutôt chez Zoolander, où Stiller taillait déjà un costard au monde de la mode.

Bien sûr, Tonnerre sous les Tropiques n’est pas un chef d’œuvre ; il lui manque – sur le thème de la satire Hollywoodienne – la finesse de Tournage dans un Jardin Anglais (avec déjà Steve Coogan) ou l’émouvante humanité de Galaxy Quest (Never give up! Never surrender!)

Ben Stiller n’est pas un grand cinéaste ; il ne sait pas trier le gag fin du gag lourd, et en plus il a beaucoup, beaucoup, beaucoup d’argent (95M$) : il aligne donc les plans, et ne sait pas s’arrêter sur un bon gag. Il surexploite l’incroyable Robert Downey jr, dans peut-être son meilleur rôle de poupée russe (jouer Al Pacino qui joue un noir qui joue dans un film sur le Vietnam)…

Il sous-exploite en revanche le meilleur acteur de sa génération, méconnaissable dans le rôle du producteur fou, qui laisse au moins une séquence finale de rap mémorable…

Mais bon, ce ne sont là que péchés véniels, eu égard à la force de la satire hollywoodienne, et à l’excellence des dialogues…

Il lui sera donc beaucoup pardonné…




dimanche 11 avril 2010


The Square
posté par Professor Ludovico

La magie du cinéma, c’est ça : il ma suffit de zapper dix minutes sur The Square pour avoir envie de voir le film (ce que je n’ai pas encore fait.)

Dix minutes magiques, quasi silencieuses, mais tellement bien filmées qu’on comprend tout : deux couples, un adultère, quelque chose de terrible entrain de se préparer… Un remords soudain, on veut tout annuler, mais c’est trop tard : le drame est en place…

Le tout impeccablement filmé, tout en retenue, en suspense, avec quelques regards échangés… Nash Edgerton a confiance dans le cinéma.

J’ai enregistré son film. Et je vais le regarder…




jeudi 8 avril 2010


Alatriste
posté par Professor Ludovico

Bonne idée que d’adapter le D’Artagnan modernisé d’Arturo Perez Riverte, Capitaine Alatriste. Bonne idée, aussi, que ce soit des espagnols qui s’en occupent (on sait de quels massacres sont capables les américains quand ils adaptent l’histoire européenne). Ici, belle déco réaliste, belles lumières…

Bonne idée, enfin, de confier le rôle du spadassin désespéré à Viggo Mortensen, qui, cereza sur los gatos, parle très bien l’espagnol.

Mais bon, ça s’arrête là. Car le reste est très décevant. Alatriste, le film, se veut désespéré, à l’image des romans ; il ne fait pas bon vivre pauvre et honorable à l’époque de Philippe II. Okay, on a compris… mais le film aligne les scènes de désespoir : la guerre, la maladie, les galères, tout va mal.

Le spectateur veut bien ressentir cette ambiance désabusée, mais il faudrait, par exemple, que l’on passe de l’espoir au désespoir, comme l’impossible amour d’Archer et de la Comtesse Orlewska dans Le Temps de l’Innocence.
Dans Alatriste, tout va mal, et de mal en pis, du début à la fin. C’est le décor, la toile de fond d’Alatriste. On s’y fait et on attend la prochaine scène en reprenant un tapas.

Autre problème : les scénaristes ont cru bon prendre les trois bouquins* et n’en faire qu’un seul (C’est dire s’ils croyaient au potentiel économique de leur sujet !) Si les bouquins de Perez Riverte ne sont pas des chefs d’œuvre de littérature, ils sont bien écrits et dramaturgiquement bien conçus. Chaque livre (Capitaine Alatriste, Les Bûchers de Bocanegra, Le Soleil de Breda) ont une intrigue, un début, et une fin.) On y comprend pourquoi Alatriste est si … triste, pourquoi son ami pamphlétaire risque gros, pourquoi le jeune Inigo ne devrait pas tourner autour de la belle mais dangereuse Donna Angélica.

Ici, on aligne dix ans d’intrigue en 2h20 interminables. Belles, mais interminables…




mardi 23 mars 2010


Pat Garrett & Billy The Kid
posté par Professor Ludovico

En 1970 pour son film More, Barbet Schroeder confie la musique à un petit groupe qui monte : Pink Floyd.

Quand on s’étonna, à la sortie du film, de la quasi absence de la musique au montage final, Schroeder rétorqua : « Ce qu’ils ont fait était trop bon. Leur musique bouffait mon film… »

Peckinpah, lui, est de la génération précédente. Il ne sait pas encore, comme Coppola trois ans plus tard, mixer The End et Apocalypse Now. Non, Peckinpah ne connaît pas grand’ chose au rock quand il confie en 1973 à Bob Dylan non seulement la musique, mais un rôle, dans Pat Garrett & Billy The Kid. Grave erreur. La musique de Dylan bouffe le film, et contrairement à Schroeder, Peckinpah ne sait pas où la mettre, quand la mettre, à quel volume la mettre.

Par tout vous dire, Peckinpah n’a jamais été pour moi un grand cinéaste, juste une sorte de pré-Tarantino qui aime le sang et la violence : Osterman Week End, Les Chiens de Paille, Croix de Fer, la Horde Sauvage, tout ça ne me fait ni chaud ni froid.

On serait tenté de dire que Pat Garrett & Billy The Kid c’est pareil : mal joué, mal filmé, monté à l’arrache, Il ne reste que la superbe photo de John Coquillon, le chef op’ attitré de Peckinpah.

Mais Pat Garrett, c’est plus que ça : une ode à la liberté, une réflexion sur la l’âge de la maturité, et une page d’histoire américaine.

Pat Garrett et Billy The Kid sont deux anciens hors-la-loi, et deux amis. Mais Pat Garrett, le plus vieux, (James Coburn) est devenu Shérif, et a reçu l’ordre des gros propriétaires terriens d’arrêter Billy (Kris Kristofferson). Il le fait à contrecoeur, mais Billy s’évade. Tant pis, il le poursuivra jusqu’au Mexique s’il le faut. Entre les deux, l’énigmatique Alias (Bob D.), fera le choeur grec.

Mais l’intelligence du film, c’est que si Pat Garrett représente la loi, c’est de manière bien lâche, et si Billy, représente la révolte, alors celle-ci est bien faible.

Car nous sommes dans une période clef de l’histoire de l’Amérique : 1880. La Conquête de l’Ouest se termine, et les États tout franchement réunis après une guerre de Sécession dévastatrice, cherchent à devenir un état normal. C’est donc ce moment crucial que filme Peckinpah, quand l’espace, la liberté, qui n’avaient pas de limite, incarnaient les valeurs fondamentales de la frontier : America, land of opportunity.

Mais la liberté totale, même au Paradis terrestre, c’est le chaos. « Ce qui est à moi est à moi, ce qui est à toi est négociable », comme disait Staline. Billy prend ce qu’il veut, pensant exercer une sorte de liberté inaliénable.

Garrett, lui a compris (comme Dylan !) que les temps changent. « Peut-être, mais pas moi ! Maintenant, tu es sheriff, et avant, moi je travaillais pour Chisum. La loi, c’est un drôle de truc » rétorque le Kid. Garrett est passé du côté du manche, même si ça le dégoûte, de travailler pour les gros propriétaires terriens qui posent des barbelés dans la prairie. C’est triste, mais c’est aussi le début des lois, de la justice. Quelqu’un doit faire le job. Garrett sera là pour le faire*.

Peckinpah, semble, comme Alias, regarder cette Amérique mourir (dans de splendides soleils couchants), tandis qu’une autre va naître, à la fin du film, dans un petit matin ensoleillé.

*Suprême ironie, présenté dans l’intro de PG&BTK : Garrett périt vingt ans plus tard, de la même épée : il conteste le coût des baux de location, et on l’abat à l’ancienne dans une embuscade…




mercredi 3 mars 2010


Conspiracy
posté par Professor Ludovico

Un bon sujet, des bons acteurs, ça ne fait pas forcément un film, ni même un téléfilm. Conspiracy, c’est un téléfilm sur la conférence de Wannsee, où Reinhard Heydrich, n°2 des SS, organisa avec Eichmann, l’extermination des juifs en moins de deux heures.

Basé sur la transcription des débats (c’est bien ce qui perd les allemands, ce sens inné de la bureaucratie), le film essaie de donner vie à une dramaturgie qui n’existe pas : on n’a pas peur (et heureusement !) que la conférence échoue. Malgré l’excellence des comédiens (Kenneth Branagh est décidément excellent dans les rôles de méchant), le film ne décolle pas. Il reste néanmoins une sorte de docudrama terrifiant, sur ce que des techniciens, des juristes, des soldats, sont capables de faire, dans le calme d’une maison bourgeoise, au bord d’un lac, un verre de cognac à la main…




lundi 22 février 2010


Un Conte de Noël (2)
posté par Professor Ludovico

Noël, c’est l’occasion de revoir Un Conte de Noël, l’un des meilleurs, si ce n’est le meilleur, film d’Arnaud Desplechin.

Pourquoi Noël ? Parce que le film en parle, et que c’est une fête de famille, et que Desplechin, comme à son habitude, fait sa fête à la famille.

Une famille un peu particulière, il est vrai. Le père, Abel, (Jean-Paul Roussillon, soixante-dix ans) est mariée à une « jeunette », Junon (Catherine Deneuve). Ils ont eu dans les années soixante un fils, Joseph, atteint d’une leucémie foudroyante. Ils ont fait un autre fils (Henri, formidable Mathieu Amalric) dans le seul but d’obtenir du placenta qui permettrait de sauver Joseph. Las ! Celui-ci meurt à 6 ans. Henri, « désormais inutile » (sic) car il y a Elizabeth, la sœur, et désormais l’aînée. Puis il y aura aussi Ivan, farfadet jazzy, gai et gentil (Melvil Poupaud)

Au début de cette histoire, un autre drame frappe la famille Vuillard : Junon est très malade. Elle est atteinte d’une maladie très grave, et seule une greffe – tout à fait incertaine – peut la sauver. Bizarrement, et c’est là toute l’incompréhension que peut susciter le film de Desplechin, Junon et son mari prennent cela avec une certaine légèreté, et, pour le moins, un sens de l’humour acéré.

Mais c’est ne pas comprendre que cette histoire est mythologique, et, pour une fois qu ça a un sens, une véritable tragi-comédie grecque. Comme chacun sait, les dieux descendent parfois de l’Olympe pour vivre parmi nous. Leurs aventures nous aident à comprendre nos propres vies, c’est le but aussi de ce « conte » de Noël.

Car au travers de cette histoire banale (la maladie, l’amour, les conflits familiaux), Desplechin va tisser une toile virtuose et inhabituelle.

Tout d’abord les dieux de cette histoire ne se comportent pas comme dans la vraie vie ; ils disent tout ce qu’ils pensent : « Je ne t’ai jamais aimé » dit la mère a son fils; « Ton fils est bancal » dit le père à sa fille. Le tout sans colère, et au milieu d’une phrase. Les dieux peuvent tout se permettre.

Servi par sa bande habituelle (et sûrement parmi les meilleurs comédiens français (Amalric, Hippolyte Girardot, Deneuve, Roussillon), Desplechin déroule ses thématiques : la bourgeoisie « éclairée », la famille, lieu de bonheurs comme de conflit, la folie, la maladie, la mort.

Mais au contraire de ses concurrents français (y’en a-t-il ?), c’est fait avec invention (faux raccords, flash-back théâtraux, plans face caméra, effet de caches façon cinéma muet, et surtout avec énormément d’humour.

La Professorinette ne s’y est pas trompée : on lui avait proposé de jeter un coup d’œil, elle est restée jusqu’au bout…




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