[ Les films ]



mardi 22 février 2022


Enquête sur un Scandale d’État
posté par Professor Ludovico

On avait beaucoup aimé Une Vie Violente, on se jette donc sur le nouveau Thierry de Peretti, Enquête sur un Scandale d’État. Un BOATS prometteur sur le scandale François Thierry, le patron de l’Office anti-stups qui couvrait les livraisons de cannabis de ses informateurs. En 2015, le scandale éclate avec la découverte par les Douanes de 7 tonnes de résine de cannabis. En 2016, Libération révèle le système mis en place par François Thierry, dans le but de « faire du chiffre »…

Si Thierry de Peretti prend les précautions inverses du Mesrine de Jean- Jean-Francois Richet*, précisant que son film est bien « une fiction », inspirée de faits réels mais ne « reflète pas la réalité », le cinéaste n’applique absolument pas cette doctrine. Enquête sur un Scandale d’État prend la forme d’un quasi documentaire, comme si de Peretti avait posé sa caméra dans un coin de la pièce. Et même si les acteurs sont très bons, réalisant la performance de faire passer quantité d’informations précises dans un dialogue visiblement improvisé, on finit par s’ennuyer.

Il y avait pourtant de quoi prendre parti, ou plutôt, comme on dit au cinéma, un point de vue. Entre un journaliste tiraillé par les trous dans son récit (Pio Marmaï), son informateur, véritable infiltré ou simple mythomane (Roschdy Zem), et le grand flic, prêt à tout pour des résultats (Vincent Lindon), il y avait de quoi créer un solide personnage de fiction. Mais Thierry de Peretti ne veut pas choisir, émet progressivement ces hypothèses, mais reste à distance. Il instruit longuement à charge (conférences de rédaction pédagogiques à Libé, échange journaliste/informateur longuement filmées. Puis, sur la fin, il instruit un peu à décharge, dans un impressionnant plan séquence de procès où Lindon a l’occasion de se défendre.

Mais comme nous n’avons aucune affection pour ces personnages, le film suscite de l’intérêt, mais pas d’émotion.  

*Au début de son film sur l’ennemi public n°1, Richet avait apposé l’avertissement suivant : « Tout film comporte une part de fiction ».




lundi 21 février 2022


River of Grass
posté par Professor Ludovico

River of Grass est un peu l’équivalent, pour Kelly Reichardt, du Peur et Désir de Kubrick. C’est-à-dire un film de débutant, un peu raté, avec plein de maladresses, mais qui pose d’emblée les futures thématiques de la cinéaste de Old Joy, Wendy et Lucy, ou First Cow. La figure de style du road movie, de la fuite à deux ; mais aussi l’errance immobile, le poids du lieu qui détermine socialement les personnages, et la volonté de s’en extirper…  

River of Grass, c’est aussi le premier et le dernier film de Reichardt en Floride, dans son Dade County natal. Un comté qui a particularité d’abriter une mégalopole urbaine (Miami) et un désert terrifiant (le marais des Everglades).

Il est symptomatique que notre couple maudit, Cozy et Lee, essaient pendant tout le film d’en sortir et n’y arrivent jamais. Kelly Reichardt, elle, s’enfuira au fin fond de l’Oregon, l’opposé absolu de la Floride : un état quasi désertique, pluvieux, progressiste, et qui inspirera ses plus beaux films.




samedi 5 février 2022


Friday Night Lights, revu et corrigé
posté par Professor Ludovico

À la revoyure, la série de Peter Berg et Brian Grazer s’impose de plus en plus comme un The Wire positif et optimiste.

A chaque fois où l’on revoit une série, la connaissance holistique des intrigues permet souvent de réévaluer les saisons décevantes. C’est le cas de FNL : on réévalue la saison 2 – pourtant ratée à plein d’égards -, et on dévalue la quatrième, un peu lente, et pas si émouvante que ça.

Car si c’était n’était pas le projet au départ, Friday Night Lights est devenu au cours du temps une série ambitieuse. La première saison était centrée sur le football, mais les saisons suivantes vont proposer moins de matches, moins d’entrainement, moins de pep talk, et plus de sujets de société (handicap, légitime défense, pauvreté, racisme, foot business, avortement…) ou de sujets familiaux (parentalité, deuil, grand âge…)

Autre point remarquable, au-delà de ce foisonnement thématique : la défense du collectif face à une certaine pensée individualiste. Paradoxe total en Amérique ! Contrairement, par exemple, au cinéma d’un Clint Eastwood, où le héros (Sully, Walter Kowalski, le Pale Rider) lutte seul contre l’injustice ou le gouvernement, la leçon de FNL est claire : seul, on perd. Que l’on soit une grande gueule douée (Smash Williams), un fils à papa talentueux (J.D. McCoy) ou un sportif abandonné du ghetto (Vince Howard), les aventures personnelles n’aboutiront à rien. La métaphore du sport collectif joue à plein : il faut être le meilleur, mais sans l’équipe, on perd. Dans Friday Night Lights, chacun est mis face à ses responsabilités par les figures d’autorité (le Coach Taylor, ou sa conseillère d’éducation de femme.) Mais quand il y a un problème, c’est toujours vers le collectif qu’on se tourne, toutes structures sociales confondues : le couple, la famille, l’entreprise, l’équipe.

Et c’est résolvant cette contradiction : rêve personnel (devenir joueur pro) contre aboutissement collectif (gagner le championnat) que se bâtit en 76 épisodes la cathédrale de Dillon. Chaque personnage semble s’évertuer dans sa propre direction, proche du cliché : la cagole qui file droit vers le striptease (Tyra Collette), la cheerleader sainte nitouche (Lila Garrity), la cocotte-minute white trash Matt Sarracen, ou le rebel without a cause Tim Riggins, le proto-gangster Vince Howard. Mais chacun finira, grâce au collectif, à s’aboutir. Comme dans l’avant-dernière scène où Tim Riggins, revenu de tout, bâtit sa Maison sur la Colline* avec l’aide son frère et le soutien de ses amis…

Car – génie des séries – FNL a eu tout le temps de développer ses personnages. Et si elle l’a fait parfois de façon chaotique, leurs arcs narratifs seront parfaits, tenu par un cast exceptionnel, qui s’est depuis taillé une place dans la TV américaine.

C’est pour cela que nous sommes tombés amoureux de ces personnages, et que nous le sommes toujours, dix ans après…

*The House on the Hill, l’un des trois mythes fondateurs des Etats-Unis, avec la Frontière et la Destinée Manifeste




vendredi 4 février 2022


Scream 5
posté par Professor Ludovico

« Combien de niveaux de Méta peux-tu prendre ? » C’est depuis Scream, premier du nom, le viatique de la franchise. Nous en sommes à cinq épisodes, et Scream a beau crier, il ne s’essouffle pas…

Après avoir traité du film d’horreur, des copycats de film d’horreur, des films sur les copycats de films d’horreur, des réseaux sociaux qui se moquent des films sur les copycats de films d’horreur, on se demandait jusqu’où pouvait aller Scream. La réponse : encore plus loin. Même si Wes Craven s’en est allé, même s’il est réalisé dans une grande économie de moyens (petits acteurs, petits décors), le film n’en reste pas moins brillant dans sa construction, toujours bâtie comme une mécanique de précision.  

Malgré ce côté totalement mécanique, Scream a l’intelligence de ses quatre prédécesseurs. Il se moque – sui generis – de son propre propos. Cette autodérision, ajouté au charme Colomboesque d’une mécanique par avance connue, emporte l’affaire. Qui est le tueur ? Y en a-t-il plusieurs ? Qui sera la Final Girl ? Chaque personnage, chaque acteur s’ingénie à prendre l’air le plus coupable possible…

Scream 5 s’appelle officiellement Scream, signifiant que son thème est le Requel, c’est à dire cette tendance à rebooter une franchise en repartant du film original. La première scène – un appel téléphonique du tueur à Tara Carpenter (Jenna Ortega) – reprend d’ailleurs celle du film initial (avec Drew Barrymore).

Mise en abyme sur mise en abyme, Scream 5 s’attaque à la Fan Nation, qui voudraient que les films soient exactement comme ils le désirent, plutôt que se confronter à la vision de l’artiste (une problématique adressée en son temps dans l’ultime et fabuleux épisode de Game of Thrones.)  

Brillant, drôle, et entraînant : voilà du cinéma pop-corn comme on voudrait en manger tous les jours…




jeudi 3 février 2022


Le Rideau Déchiré
posté par Professor Ludovico

Même les génies peuvent trébucher*… Ce Rideau Déchiré, 83ème film de l’autoproclamé « Maître du Suspense » est en grande partie inintéressant. Totalement irréaliste, même pour un Hitchcock. Ridiculement anticommuniste, même pour un film américain. Pire, il est très faiblement interprété par des pointures (Paul Newman et Julie Christie), qui semblent a) ne rien comprendre à l’intrigue b) ne rien avoir à faire dans la ménagerie hitchcockienne.

Dans Hitchcock / Truffaut, le grand Alfred prétend s’être passionné pour l’affaire Burgess / McLean : qu’avait pensé madame Burgess quand elle apprit que son mari était un traître, parti en Union soviétique** ?

L’histoire part sur cette base : Paul Newman, savant atomiste américain, passe à l’Est. Il n’a rien dit à sa future fiancé. Mais elle décide de le suivre. Problème : le spectateur est sûr que Newman ne peut pas être un putain de transfuge communiste ! D’ailleurs, Newman finit par lui révéler (dans une des rares belles scènes du film, avec un travelling circulaire autour de Julie Christie) qu’il est un agent double venu voler les secrets atomiques allemands.

Aussitôt dit, aussitôt fait, ils s’enfuient (lors d’une course poursuite en autocar, d’une émeute dans un théâtre, et d’un panier en osier en partance pour la Suède…) Dans ces quelques scènes rocambolesques pointe le génie d’Hitchcock pour faire monter le suspense, mais l’assemblage du tout ressemble plutôt à un quilt qu’à de la Toile de Jouy.

On est loin de La Mort aux Trousses, et 1966 est déjà le commencement de la fin : Hitch vient de fait son dernier grand film (Pas de Printemps pour Marnie), et il ne fera après que des films mineurs : L’Étau, Frenzy, et Complot de famille

* sauf Kubrick, évidemment !

** Comme Madame Burgess s’appelait Monsieur MacLean, c’était une question assez facile…




jeudi 20 janvier 2022


The Green Knight
posté par Professor Ludovico

Hasard de la programmation. On regarde The Green Knight juste après avoir fait la chronique de Too Old to Die Young. On pourrait y voir l’exact opposé ; deux films extraordinairement beaux, mais l’un a du sens, l’autre pas.

Conseillé par son filleul et par le Snake lui-même, le Professore Ludovico n’a pourtant pas eu trop à se forcer pour regarder ce Chevalier Vert. C’est facile (il passe sur Prime Video), ça parle de Chevaliers de la Table Ronde, c’est précédé d’une réputation grandiose, et c’est produit par A24, qui ne fait pas que du caca*…

On se jette donc dessus, et on est immédiatement capté par la beauté de chaque plan. La musique, les costumes, les décors, les éclairages sont incroyables. Loin de toute idée de réalisme (Gauvain et Morgane sont joués par des acteurs d’origine indiennes), mais guidé par un véritable amour du Moyen Age. Iconographie, typographie, musique : tout suinte une véritable culture médiévale, rare chez les américains. Sans compter un petit côté Donjons&Dragons : le bouclier magique, le parchemin de sort, le glyphe runique, la ceinture de protection, l’épée magique…

Mais voilà, au bout de 130 minutes, on ne sait toujours pas de quoi parle The Green Knight. C’est une des histoires de la Table Ronde : Gauvain, chevalier lâche et fainéant, est sommé (pour des raisons pas très claires) de défier ce fameux Chevalier Vert et surtout, d’en accepter les conséquences. Si le film est constitué très ludiquement comme un puzzle, avec des saynètes qui se répondent, des personnages qui se ressemblent (car joué par la même actrice), des anachronismes, etc., on ne s’intéresse pas longtemps à ce petit jeu. On n’est pas au cinéma pour résoudre des puzzles. Et nous voilà – mauvais signe – en train de déchiffrer le résumé Wikipédia pour comprendre de quoi il retourne.

Des films semblables existent, oniriques, effrayants et beaux, comme It Follows, Valhalla Rising, Midsommar, ou Too Old to Die Young. Mais ces films ont quelque chose en plus, quelque chose à dire au spectateur, un message, une métaphore, un point de vue.

Et aussi, des personnages. Difficile, ici, de s’attacher à Gauvain – pourtant formidablement interprété par Dev Patel. On se fiche un peu de ce qui va lui arriver.

Partant, The Green Knight est très beau à regarder, mais reste légèrement ennuyeux.

* Moonlight, Mise à Mort du Cerf Sacré, Hérédité, 90’s (Mid90s), Midsommar, The Lighthouse, Uncut Gems, Euphoria…




mercredi 19 janvier 2022


Too Old to Die Young
posté par Professor Ludovico

Nicolas Winding Refn est un punk. Quand tout le monde accélère le mouvement, caméra portée, plan d’un quart de seconde, montage et musique à fond, le Danois rétrograde en seconde et pose sa caméra.

À l’instar du premier plan de Too Old to Die Young, un interminable panoramique, droite/gauche, gauche/droite, alternant entre une voiture, garée sur l’une des anonymes artères de Los Angeles, et une voiture de police, garée en face. Ennuyeux ? Oui et non. Car ce plan est magnifique, tout coloré de néon comme l’aime notre Nicolas dernière période, tellement beau en HD que le pauvre Prime Video a du mal à suivre ! Ça va continuer pendant 750 mn, images folles de beauté, dialogues hiératiques (3 à 4 secondes entre chaque réplique…), et mouvements de caméra d’une incroyable beauté plastique…

Mais si tout est beau à l’image, c’est que – comme d’habitude – Nicolas filme l’Ordure. De Pusher à Neon Demon, NWR filme les salopards en action. Ici, un jeune flic mutique et corrompu du LAPD (l’excellent Miles Teller de Whiplash). On en verra d’autres : le très bel héritier d’un cartel mexicain (Augusto Aguilera), et une pléthore de femmes fatales, tout aussi belles et terrifiantes que formidablement interprétées (Cristina Rodlo, Jena Malone, Callie Hernandez, Nell Tiger Free…).   

Le bellâtre mexicain rêve de baiser sa mère, le dealer cruel (Babs Olusanmokun, le Jamis de Dune) écoute du Two-Tone*, et le beau-père incestueux (William Baldwin) est prêt à coucher avec son gendre… Le polar est très simple, tout ce joli monde va gentiment s’entretuer, et tiendrait aisément en deux heures.

Est-ce que ça vaut le coup de le regarder en 10 × 75mn ? Si on aime le cinéma oui, cent fois. Parce que NWR a toujours eu le talent de raconter des histoires très simples, caricaturales, tout en créant de véritables personnages.

Quant à son éloge de la lenteur, ce geste artistique n’est pas une petite rébellion d’un type-qui-veut-faire-l’artiste : il donne à voir, tout simplement.

*Avec une BO incroyable, une fois de plus…




lundi 17 janvier 2022


Une intuition… sur le film à message
posté par Professor Ludovico

En conversant il y a quelques mois avec le Framekeeper (oui, le Professore Ludovico est lent à la détente), nous nous posions la même question. Pourquoi tant de films « à message » ? Les migrants, la question du genre, la situation au Proche-Orient, le terrorisme, le monde paysan, les banlieues, … pourquoi ces films sont à la mode, pourquoi se font-ils et pourquoi rencontrent-t-ils (au moins) un petit succès ?

La Bande Dessinée est frappée du même syndrome : la théorie quantique, la bombe H, la Guerre d’Espagne, la vie d’Olympe de Gouges… tout ce qui est abusivement requalifié de roman graphique, et qui n’a de roman que le nom. Comme si ces deux arts populaires s’étaient mis soudainement au docudrama.

Eh bien, notre intuition cinefastienne, c’est qu’il s’agit de la même chose : du prêt-à-penser à peu de frais. Car se renseigner sur ces sujets est complexe : lire un livre de 400 pages sur le Franquisme : huit heures de travail. Lire un BD ou regarder un film sur le Franquisme : 2 heures. J’ai lu une bédé sur la Bombe H, je peux en parler. J’ai vu un film sur les migrants, je peux en parler.

Car la fonction principale de loisirs, c’est de tisser des liens avec nos semblables. Le PMU, le cinéma, la belote, le foot, la littérature, tout cela n’est que prétexte pour discuter avec un autre homo sapiens. En soi, on pourrait même dire que les loisirs n’existent pas réellement. Ils ne sont là que pour nous permettre de trouver des gens à qui parler, d’affirmer nos valeurs, et de garantir une certaine appartenance sociale*.

Un exemple : en allant voir Welcome, le film de Philippe Lioret sur le drame des migrants**, on envoie toute une série de messages à son interlocuteur. On n’est pas du peuple, parce qu’on n’est pas allé voir Avengers ou Les Tuche***. On est cultivé, puisqu’on suit les recommandations de l’élite, qui signale le côté « éducatif » du film (voir ci-dessous)****. On a du cœur, puisqu’on se préoccupe des migrants. On est capable, à la sortie, de formuler à une théorie sur la question : les errements de l’Europe, l’inaction des gouvernements. Voilà déjà de quoi lancer une conversation.

L’autre option est difficile, et compliquée à mettre en œuvre : elle suppose avoir lu des articles (si possible contradictoires) sur le sujet : Le Monde, Libération, Le Figaro, tous les jours, de les avoir digérés et analysés. Peut-être même avoir lu un livre ou deux sur le sujet.

Ici, tout est réglé en deux heures, quoi de plus simple ? Il n’y a pas de mal à cela, tant qu’on n’en tire pas une posture définitive : j’ai vu Welcome et j’ai compris le problème des migrants*****…

*Pour se faire une idée du phénomène, rien de mieux que d’écouter Le Masque et la Plume, où s’affronte le cinéma tradi de papa (Eric Neuhoff), l’école Hollywoodienne (Michel Ciment) et le cinéma Normale Sup-néo godardien (Jean-Marc Lalanne). On peut non seulement déduire les valeurs – et donc les opinions politiques de chacun -, et se sentir plus ou moins proche de l’un ou de l’autre. Mais aussi, on y entend souvent dire « je ne savais pas que la situation des femmes en … était à ce point compliquée… », « je ne connaissais pas la persécution des … » « je n’avais jamais envisagé le handicap sous cet angle… » etc., etc.

** « Pour impressionner et reconquérir sa femme, Simon, maître-nageur à la piscine de Calais, prend le risque d’aider en secret un jeune réfugié kurde qui veut traverser la Manche à la nage. » (source Allociné)

*** On envoie d’ailleurs le même type de messages en faisant le contraire. « Je suis allé voir Avengers » = j’ai moins de soixante ans, « Je suis allé voir Les Tuche » = je suis du peuple.

****20 Minutes, par Caroline Vié : Le calvaire de migrants clandestins est décrit avec minutie, sensibilité et réalisme dans une histoire d’amitié pudique. (…)

Elle, par Florence Ben Sadoun : (…) C’est la force de Philippe Lioret: rendre visible l’invisible, sans surligner, tout en réussissant à imbriquer le tragique d’une séparation au drame de l’émigration.

Marianne, par Clara Dupont-Monod : Un chef-d’oeuvre engagé, politique, dérangeant, (…) En un mot : indispensable !

Télé 7 Jours, par Julien Barcilon : (…) bien plus qu’un drame intime doublé d’un manifeste humaniste bouleversant : le plus beau film du moment.

Le Parisien, par Hubert Lizé : (…) Tout, ici, sonne vrai.

***** Pour l’anecdote, le Professore a conseillé Stateless, et qui traite du même sujet. Il n’a pas eu beaucoup de succès. Les raisons, probablement : trop long (6h), pas prestigieux (Netflix), hors sol (Australie), sans acteurs français (mais avec l’excellente Yvonne Strahovski)




samedi 15 janvier 2022


Jean-Jacques Beineix
posté par Professor Ludovico

Jean-Jacques Beineix est mort, et le Professore se sent vieux.

Bien sûr, il ne faut pas revoir les films de Beineix. La cinéphilie, c’est beaucoup plus compliqué que ça. La cinéphilie, ce n’est pas un cerveau qui analyse, mais un cœur qui bat. Un cœur qui a battu très fort entre 1980 et 1987 pour les trois meilleurs films (les seuls* ?) de Jean-Jacques Beineix. Diva. La Lune dans le Caniveau. 37°2 le Matin. Trois films qui parlent directement au cœur adolescent : amours impossibles, désespoir tranquille et mort qui rôde. Mieux, trois films qui inventaient une nouvelle poésie, désormais la nôtre. Pas celle des profs, des parents, du Lagarde et Michard ou de Marcel Carné. Non, notre poésie eighties, rock, pour nous. Contre le monde.   

Diva était un choc esthétique, sentimental, le petit postier amoureux de la grande cantatrice noire**. Musique classique et polar. On voulait tartiner zen avec Gorodish et habiter dans le loft au néons bleus d’Alba.

La Lune dans Le Caniveau était un film raté ; nous le savions, mais c’était notre film maudit. Un port stylisé en studio, une maison sur la colline et une lune gigantesque. Et Nastassja Kinski dans sa Ferrari rouge, et Victoria Abril en robe orange sur sa balançoire. C’était nos Enfants du Paradis à nous, en couleurs : rouge rouille, rouge sang.  

Et puis vint 37°2 le Matin, LE film, NOTRE film. L’amour jusqu’à la folie, Béatrice Dalle, ses seins, ses dents écartées, et son regard perdu. Yves Duteil et un piano sur une remorque. Un chili con carne renversé sur la tête de Jean-Hugues Anglade. Et la belle Annie (Clémentine Célarié), en mal de sexe, en mal d’amour.

On le voit : il n’est ici pas question de cinéma, pas question de dramaturgie, pas question d’esthétique pubeuse, ou non. On est bien au-delà.

L’amour est aveugle.

*Roselyne et les Lions, IP5 : L’île aux Pachydermes, Mortel Transfert

** Banalité aujourd’hui, rareté à l’époque




vendredi 14 janvier 2022


Les Tontons Flingueurs
posté par Professor Ludovico

Dire du mal des Tontons Flingueurs ? Difficile exercice… Le film de Georges Lautner dialogué par Audiard est l’œuvre patrimoniale s’il en est, vénérée de génération en génération. Pour autant, il faut en finir avec l’idée que ces Tontons sont un chef-d’œuvre du 7ème art. Bourré de répliques culte, certes, mais un film très mal fait.

On ne passera pas trop de temps sur le côté totalement anachronique des Tontons Flingueurs. Les colères de Fernand Naudin (Lino Ventura) nous semblent totalement incompréhensibles aujourd’hui, et surtout, totalement surjouées. Idem sur les dialogues connus par cœur, mais qui ont définitivement popularisé des mots aujourd’hui familiers : canner, défourailler, plombe, valoche, came, vioque

Mais côté cinéma, c’est autre chose. La construction du film est bancale et manque de rythme. Le film est long, très long, et très très lent. Les scènes d’action sont cheap, et le plus souvent ridicules, ce qui n’est pas toujours volontaire.

Mais c’est dans les détails que les Tontons pèchent. Si l’on admet l’idée générale de l’ancien gangster, fidèle au Mexicain au point de s’occuper de sa nièce, il y a beaucoup d’incohérences dans les détails. Par exemple, on a du mal à suivre le personnage de Tomate, dont on finit par comprendre qu’il fait partie des bouilleurs de cru. Sur le mode viril-mais-correct, Ventura donne des ordres à tout le monde, mais est prêt à conduire lui-même le camion de son ennemi (chargé de pastis frelaté) plutôt que de le confier à un sous-fifre. Les Volfoni sont présenté comme une grande famille du jeu, qui « œuvre à Vegas », mais en réalité ce sont deux branques dans une péniche. Etc., etc.

Donc oui, il y a un patrimoine Tontons Flingueurs, éparpillé façon puzzle dans la culture française. Mais ceux qui viendront me dire que c’est un chef d’œuvre finiront au Terminus des Prétentieux…




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