Grâce à TCM, on voit enfin les premiers courts métrages de Kubrick.

On n’en tirera rien, pour être franc, car rien n’indique dans ces débuts le grand formaliste que va devenir Kubrick. C’est bien filmé, sans plus, il y a quelques trouvailles visuelles, mais le reste est d’un conformisme effrayant. D’ailleurs, artiste, il ne le deviendra vraiment qu’avec Lolita, en adaptant un sujet sulfureux, et visuellement, avec 2001.

Pour le moment, Kubrick ne fait que des films d’entreprise, comme le consternant The Seafarers. Dans ce document de propagande sur le syndicat des marins américains, maquillé en documentaire, se glisse pourtant une perle : au milieu d’un plan édifiant sur la bibliothèque « où les marins peuvent se cultiver en attendant leur prochain embarquement », Kubrick filme consciencieusement un calendrier de camionneurs, avec jeune fille à forte poitrine : en pleine ambiance Mad Men, costard strics et répression sexuelle, ça pique les yeux. On se repasse le plan, mais non, c’est bien ça.

Pervers Stanley frappait pour la première fois.

Il y a tout ce qu’il faut dans Simon Werner A Disparu… Sauf un petit peu de polissage du scénario, et c’est dommage.

A la fois teen-movie (quatre ados à la recherche dudit Werner), film branchouille (Sonic Youth en BO obligatoire), Twin Peaks dans les Yvelines (la Cabane dans la Forêt), étude de mœurs (la vie en grande banlieue dans les années 90).

Mais l’Elephant français peine à prendre son envol, faute d’un bon dialoguiste, et à cause de toutes ces références pesantes qui encombrent la piste de décollage.

Florilège : les plans Elephant, justement, filmé ras du cou. S’ils ont un sens dans le Van Sant : avec la profondeur de champ, tout est flou en dehors de ce cou adolescent, comme si rien de l’extérieur ne pouvait l’atteindre ; là, que veux tu nous dire, jeune Fabrice Gobert ? On ne sait.

Les dialogues façon Tudors : Bonjour Marc ! Ah salut Pierre, comment va ton père, le Proviseur ? ça pourrait être plus subtil.

De même Rabier, le nerd de service, a forcément une frange et un pull ridicule. Et son père, a une frange, c’est comme ça qu’on le reconnaît.

Tout ça ne doit pas cacher les vraies qualités de Simon Werner A Disparu… un vrai polar, avec ce point de vue adolescent qui fait sa force, avec toutes les phobies de l’époque : pédophilie, homosexualité, enlèvement, harcèlement sexuel… un journal de 20 heures à lui tout seul. Mais Simon Werner A Disparu se révélera à la fin plus subtil…

Il faut donc aller voir ce premier film, en acceptant ses petits défauts.

Galactica, c’est ça : par la grâce d’un simple épisode hier (S3, épisode 10 , « Le Grand Combat »), on perçoit la richesse de cet univers…

Dans cet épisode, huis clos autour de la boxe, les scénaristes revisitent deux ans et demi de BSG : amours impossibles, trahisons, loyauté, amitié… Et offre aux acteurs un écrin où s’exprimer, en dehors des combats spatiaux et autres mésaventures galactiques.

Bien sûr, dans l’épisode suivant, BSG retombait dans ses faiblesses ontologiques : tout d’un coup Les colons n’avaient plus rien à manger, et si l’on peut dire, ça tombait comme un cheveu sur la soupe…

Mais comme le dit El Baba, « dans Battlestar Galactica, il y a toujours quelque chose d’intéressant à voir… »

On n’est pas très nécro dans CineFast, d’abord parce qu’un grand artiste ne meurt jamais. Cette chronique voudrait-elle dire que Tony Curtis n’était pas un grand comédien ? En tout cas, il est clairement dans la deuxième division Hollywoodienne…

C’est lui-même qui le dit dans Certains l’Aiment Chaud… Et Marilyn, sa biographie : il considère, à raison, Jack Lemmon comme un comédien bien supérieur.

La filmographie de Curtis est à vrai dire bizarre, sans chef d’œuvre absolu (le concernant). Il l’explique aussi dans sa bio ; les acteurs ethniques n’avaient pas la cote à l’époque. Le pauvre Bernard Schwarz eut beaucoup de mal à se placer dans des rôles de séducteurs face aux WASP à la Montgomery Clift… Ce qui ne l’empêchera pas d’enregistrer un tableau de chasse conséquent : Billy Wilder (Certains l’Aiment Chaud), Stanley Kubrick (Spartacus), Blake Edwards, Richard Fleischer (L’Etrangleur de Boston, sûrement son meilleur rôle).

Mais il jouera également dans des nanars incroyables, dont l’ineffable Homme Homard Venu de Mars, que je me rappelle avoir vu à la grande époque du Festival Fantastique du Rex.

Mais en fait, Tony Curtis restera pour toujours le Danny Wilde d’Amicalement Vôtre, même si c’est basé sur un malentendu. C’est Bernard Roux, son doubleur, qui imprima en effet un humour que le personnage n’avait pas dans la VO des Persuaders.

Salut Danny, va jouer au base ball dans les rues de New York…

Depuis trois semaines, c’est Opération Patrimoine chez CineFast : La Captive aux Yeux Clairs passe sur Arte. On regarde donc le chef d’œuvre déclaré, quatre étoiles dans le Tulard*

Ouille ouille ouille ! Chaotique, bizarre, pas très passionnant, on va gravir cet Everest du 7ème Art par petits bonds, un quart d’heure par ci, une demi-heure par là… D’autant plus que la technique nous lâche : le magnéto freebox oublie les trois dernières minutes. Mais grâce à Ostarc the Hacker, nous voilà rapidement équipé d’une bien meilleure version, VOST, mais plus moche… Pas grave il reste trois minutes, terminées hier, nous permettant la chronique qui suit…

Le pitch : deux trappeurs se rencontrent, dans des USA pre-Western (on est en 1830). Amitié virile ou rivalité, les deux hommes s’engagent dans une expédition de français qui remontent le fleuve pour acheter des peaux aux indiens et leur rendre… la captive aux yeux clairs, une jeune indienne, très belle, qui a été enlevée par un autre chef indien…

On se croit dans un film d’aventures, une odyssée western, mais on passera par tous les genres : comédie, drame, érotisme, fantaisie monty pythonesque (avec catapultage de chevreuil !). L’intrigue non plus n’est pas claire, et on n’en saura guère plus à la fin, sinon que, dès qu’il y a une fille, ça devient le bordel dans l’amitié virile. Côté mise en scène, c’est le bordel aussi : des séquences incroyablement esthétiques, notamment les extérieurs tournés à Grand Teton National Park, dans un noir et blanc impeccable succèderont des plans minables, mal coupés, mal montés…

Howard Hawks nous a habitués à mieux : Scarface, Le Grand Sommeil, Rio Bravo, Le Port de l’Angoisse…

La Captive aux Yeux Clairs reste donc un mystère à élucider.

* la Bible : Guide des Films de A-Z, sous la direction de Jean Tulard, Collection Bouquins

The Pacific, c’est fini. Dommage, ça commençait à devenir bien. L’horreur d’Okinawa, les femmes kamikazes, le désespoir japonais, les américains qui s’enlisent… Et la difficile réinsertion des boys, une fois revenus au pays : The Pacific prenait son envol.

Mais grâce aux dix dernières minutes on a pu résoudre le mystère The Pacific. Pourquoi tant de talents (Hanks, Spielberg, George Pelecanos (The Wire), Tim van Patten (The Sopranos)) avaient-ils accouché d’une souris ? L’explication nous fut fournie par le générique de fin, chargé de pathos comme seuls les américains savent (osent) le faire : dessins sépia, violons, fondus enchaînés : « Après Iwo Jima, décoré de la Purple Heart, Tim « Hoosier » a ouvert une quincaillerie près de Mobile, dans le Tennessee » Pitié ! Aucun n’est devenu serial killer ? Ou Banquier d’affaires ? Personne n’a raté son permis auto ?

Voilà, The Pacific n’était pas une fiction, mais un horrible biopic, un BOATS porte-avions de la pire espèce, comme me l’avait déjà fait remarquer Captain Jipé. C’était donc ça. Coincé par la mémoire de nos pères, de nos grands pères, The Pacific n’était qu’un hommage de plus réservé aux héros de la Guerre du Pacifique. Un hommage, une hagiographie, qui ne pouvait se permettre aucun écart, aucune fantaisie dramatique, aucune motivation psychologique, tenu à l’étroit dans le Corset Serré de la Vérité.

Tant pis. Ca sera pour une autre fois.

Malédiction du rock ! Décidément, ces deux là ne font pas bon ménage ; le cinéma n’arrive pas à apprivoiser la bête sauvage qu’est la musique jeune.

Des le début, dès La Blonde et Moi, donc, (le film censé moquer les déhanchements ridicules des teenagers), Hollywood se ridiculisa en obtenant l’inverse du résultat escompté : The Girl Can’t Help It ne fit que propulser à hauteur stratosphérique Little Richard, Buddy Holly et Chuck Berry.

Depuis, c’est La Grande Incompréhension entre rock et cinéma. Biopics gnangnan (The Doors) hagiographies (Walk the Line), mélos naïfs (Crazy Heart)… seuls surnagent quelques chefs d’œuvres rarissimes : Control, la perle noire sur Joy Division, Velvet Goldmine (la déclaration d’amour/haine de Todd Haynes pour Bowie et quelques scènes du Dylan du même Todd Haynes, I’m Not There). On peut aussi garder The Wall et La Grande Escroquerie du Rock’n’Roll, mais ce sont des films de Pink Floyd ou des Sex Pistols, pas des films sur eux.

La raison de cet échec pérenne est industrielle : un film, c’est beaucoup d’argent, beaucoup de talents qu’il faut faire travailler ensemble, donc beaucoup de compromis. Il faut composer avec le groupe, si l’on veut avoir le droit d’utiliser les chansons*. Même si les réalisateurs peuvent être de jeunes rebelles déchaînés (Coppola, les frères Wachowski), ils seront toujours encadrés par des types en cravate et attaché-case (Jack Warner, Joel Silver). Si le rock fait aussi œuvrer le même genre de voyous (Oasis, Rolling Stones, Sex Pistols, Led Zeppelin, Prince, you name it…), leurs managers sont aussi des voyous (Alan McGhee, Peter Grant, Malcolm McLaren, Andrew Loog Oldham…)

Ce compagnonnage en voyouseté aurait pu être le sujet de The Runaways, l’histoire d’un manager décadent (Kim Fowley) qui monte le premier vrai groupe rock de filles. Mais la clippeuse Floria Sigismondi est tellement empâté dans son sujet, tellement conventionnelle derrière les images pseudo-indé de son premier film, qu’elle coule le bateau avec les filles à bord (Kristen Stewart (Twilight) et Dakota Fanning (Twilight, La Guerre des Mondes), pourtant très bien)

Un exemple, au hasard : pour filmer la scène du baiser, Sigismondi prend I Wanna Be Your Dog des Stooges, et – idée géniale ! – décide de l’illustrer mot à mot.

« So messed up I want you here »
Plans sur les yeux fermés : signe de grande confusion (la drooogue !)
« In my room I want you here »
Plan sur le plafond de la chambre
« Now we’re gonna be face to face »
On se rapproche, « face à face », et on… s’embraaaassse !

Même un étudiant à la FEMIS première année n’aurait pas osé.

Allez, c’est pas grave, ça m’a au moins donné envie d’écouter The Runaways…

* C’est aussi produit par Joan Jett (guitariste des Runaways), qui forcément se donne le beau rôle…

On donnerait le Bon Dieu sans confession à Mathieu Amalric : probablement le meilleur acteur français de sa génération, il enchaîne les films, sans raté : du petit film (Le Stade de Wimbledon) à la grosse production (Un Conte de Noël, Adèle Blanc Sec) jusqu’à une carrière tranquille à Hollywood (Munich, Quantum of Solace)…

Mais maintenant il fait son nouveau film, et donc on y va. Pendant vingt minutes, on cherche l’enjeu de Tournée. De quoi ça parle ? D’un manager paumé, tricard dans le métier ? D’américaines à gros nichons, relançant l’art du strip façon Dita von Teese (avec quelques kilos en plus) ? Ou du show biz, tout simplement ?

Personnellement, j’ai penché pour la troisième solution, vu qu’aucune intrigue, aucun en jeu (défaut d’habitude rédhibitoire pour le Professore) ne pointait à l’horizon. Et c’est ça qui est magnifique dans Tournée : cette ode au spectacle, à la vie sur la route, avec ses amours de passage, ses engueulades, ce blues qui traine et qui disparait pendant les quelques minutes où soudain, on monte sur une scène, quelque part, au Havre ou à Romorantin, dans la lumière des sunlights.

Pour la sincérité de Tournée, il faut aller voir le film.

Toutes les excuses sont bonnes pour aller au cinéma ; emmener son filleul et son fils par exemple. On ne les emmènera pas voir le Shyamalan, adaptation ratée (Le Dernier Maître de l’Air) d’une excellente série animée (Avatar). Mais on peut aller voir Toy Story 3, parce que la série n’a jamais déçu.

Toy Story, premier du nom, était une claque incroyable, la démonstration que l’on pouvait être intelligent, original, émouvant et beau, tout en restant américain. Le 2 fut surtout américain, mais le 3 revient aux qualités du premier, en surfant sur la veine nostalgique et profonde qui a fait l’image du Pixar des débuts. Depuis, malheureusement, Pixar fait du Disney).

Dans Toy Story 3, on retrouve donc le petit Andy, le « propriétaire » de Woody et Buzz l’Eclair, et Andy a bien grandi : il part à l’Université. Quels jouets va-t-il garder ? Que vont devenir les autres ? C’est tout l’enjeu du film.

Malgré la 3D qui – une fois de plus – n’apporte rien* (et Lee Unkrich, le réalisateur, ne cherche pas du tout à s’en servir), on pleure tranquille derrière nos lunettes rouges et bleues.

On reprochera peut-être le manque d’allusions et de références à l’intention des adultes, qui avait fait le sel des deux premiers opus, mais sinon, ce troisième Toy Story a tout bon.

* et fait perdre au passage les magnifiques couleurs du film…

Horreur ! Malheur ! Je viens de réaliser que j’ai oublié de vous parler de Dans Ses Yeux, Oscar du meilleur film étranger 2010 ! Et mon agent au Kremlin qui ne me dit rien ! C’est pourtant elle qui m’avait conseillé de voir ce film argentin !

Dans Ses Yeux est peut-être tout simplement le meilleur thriller de l’année, sans pour autant tirer un seul coup de feu.

Le pitch : un magistrat hanté par le meurtre, vingt ans plus tôt, d’une jeune femme. Un meurtre jamais élucidé, à cause de l’inertie de la justice, dans cette période grise de la dictature argentine.

Vingt ans après, comme chez Dumas, nos héros ont vieilli, qu’ont-ils fait de leur vie ? Blessé à plus d’un titre, notre héros veut reprendre l’enquête. L’occasion pour le spectateur d’apprendre petit à petit ce qui s’est réellement passé, mais on ne vous en dit pas plus.

Très classiquement filmé, malgré un plan séquence d’anthologie, subtil, dérangeant, il ne faut pas rater Dans Ses Yeux. Je sais que j’arrive après la bataille. Mais rien n’empêche de guetter les sorties DVD.