Pour en finir avec la Tonton-mania

10 ans déjà… 10 ans que le héros d’une aventure commencée le 10 mai 1981 n’est plus. Bon on va pas vous faire le coup de « Tonton reviens ils sont devenus fous » ni celui de « Ah Mittrand .. oui je me souviens.. l’attentat de l’observatoire … et l’envoi des premières troupes en Algérie » … Cinéfast n’est pas un blog politique et n’ambitionne pas de l’être.. A Dieu ne plaise.. Du Cinéma rien que du Cinéma mais tout le Cinéma.

Simplement, force est de constater que, par comparaison, au hasard, avec la révolution bolchévique, la période mittérandienne n’aura pas inspiré au 7ème art les mêmes chefs-d’oeuvres.. question d’époque surement…

Je m’en tiendrais à deux exemples, qui symboliquement et commodément ont immortalisé le début et la fin du règne… Etat d’âmes donc pour la génèse de l’épopée et Le promeneur du Champ de Mars pour le chant crépusculaire..

Etat d’âmes, pour ne rien vous cacher, je ne l’ai pas vu depuis un moment et ma mémoire peut me trahir… mais c’est déjà une scène d’anthologie: le départ de Giscard qui effectivement, malgré sa cruauté qui lui vaudrait surement aujourd’hui une interdiction au moins de 16 ans (à côté Irréversible c’est un peu « l’enfance de Candy »), vaut son pesant de Curly.. c’est aussi une présentation « choralistique » avant la lettre de toute une génération de jeunes premiers bien sous tous rapports… Cluzet, Deluc, Renucci, Karyo et JP Bacri.. nobody’s perfect..

Il faudra un jour que le Cinéma français reconnaisse sa responsabilité dans le massacre de tant de jeunes talents.. et que l’on dresse un monument à ces Xavier D., Mevil P. , J. Bonnaffé et autres Nicolas Duvauchelle… Tchéky.. t’as bien fait de te barrer… Bacri.. tu peux dire merci à ta gonzesse..

Quant au « promeneur », il vaut.. par la performance de Michel BOUQUET of course (à côté Raging Bull c’est un peu « Fantomas en Ecosse ») et puis par..

Bon on est pas là non plus pour dire que du mal et puis sincèrement, tout le monde peut se louper (enfin là c’est quand même chaque plan, chaque prise, chaque cadrage.. à ce point là.. même en faisant exprès .. c’était pas gagné.. même dans le Coeur des Hommes y’a un ou deux plans … enfin au moins un, si je me souviens bien y’a une vue du sacré coeur qu’est pas mal du tout.. )

Plutôt que d’être bêtement négatif à la Libé ou à la Le Monde, je vous propose une expérience de physique amusante…

Réunissez-vous entre bons potes.. un soir … essayez un peu d’équilibrer entre les tontons maniacs, les pas trop, les amoureux de Cartier Bresson, ceux de David Hamilton, servez un peu d’alcool .. et lancez l’un des deux DVD… commencez quand même par le « Promeneur ».

Logiquement, après 5 mn de politesse (ce film est quand même classé dans le top ten des lecteurs de Télérama), y’en a bien un qui va remarquer que le cadrage ferait vomir un assistant des Frères Dardenne .. un autre, qui par exemple en hommage à Jean Yann, est en train de relire tout Peguy dans la Pléiade, va bien pouffer en entendant Mittrand s’extasier sur cet auteur injustement banni de nos bibliothèques.. un troisième, versé dans l’actor studio, va bien remarquer que Jalil Lesperts a décidemment tous les talents et qu’il pourrait parfaitement jouer le mur dans le Songe d’une nuit d’été.. (y’a photo avec Nicolas D.) on n’y verrait que du feu..

A partir de là, ne faites plus rien… lâchez vous …. c’est parti pour 1h50 de rire absolu et si ça n’est pas assez, regardez le bonus.. l’interview vérité de Guédiguian, qui ferait un Jean Schultès tout à fait crédible, c’est que du bonheur.. pour vous dire.. nous on n’a pas tenu jusqu’à la fin.. trop dangereux.. on était au bord du malaise… et puis faire venir SOS médecin en banlieue à minuit…

Allez essayez.. vous nous remercierez plus tard..

Biz

Avez-vous remarqué que toutes les têtes d’affiche qui ont tourné avec le maître ont vu leur carrière s’arrêter net après ?

Malcolm Mc Dowell n’a tourné que des navets après Orange Mécanique. Il avait (sic) cru que Stanley était son ami.

Gary Lockwood et Keir Dullea, les héros de 2001 , ont tourné ensuite dans … euh … voir ImdB…

Ryan O’Neal, célèbre avant Barry Lyndon, n’a rien fait de spécial ensuite, à part Un Pont Trop Loin (rires dans l’assistance)

Marisa Berenson a quand même tourné dans L’Arbalète !

Shelley Duvall, égérie d’Altman, chercherait selon les dernières nouvelles, la sortie du labyrinthe de l’Overlook Hotel.

Mathew Modine, wonderboy des 80’s, a enchaîné les second rôles depuis Full Metal Jacket, malgré son indéniable talent.

Stlanley leur a-t-il sucé le cerveau ? Les a-t-il tellement mis minable pendant le tournage qu’ils ont eu honte ensuite de travailler à Hollywood ?

Je vous vois venir ! Les exceptions ! Il y en a, des exceptions : Peter Sellers, Jack Nicholson, Tom Cruise.

Pauvres sots, ne voyez vous pas ce qui réunit vos « exceptions » ? Ne distinguez vous pas le lien invisible qui rejoint ces acteurs entre eux ? Si ce n’est pas le cas, il faut donc qu’un praticien de longue date comme le Professor vous ouvre les yeux, au regard de son expérience de 30 ans dans la psychothérapie hollywoodienne. Mais mes amis, c’est très simple : ces gens étaient déjà FOUS avant !!!

Que retenir de cette année 2006 ?

Après les fêtes, l’heure du bilan. Que reste-t-til de cette année 2006 ? Le Pr Ludovico fait la synthèse.

1. L’insupportable répétition de formules toutes faites (Les Noces funèbres, Chicken Little, Robots)
2. la « mort » de quelques grands cinéastes qui ont bercé notre culture cinématographique : Tim Burton, Martin Scorcese, George Lucas, le cas Cronenberg étant encore au stade du débat (coma dépassé ou mort cérébrale ?)
3. l’émergence de petits nouveaux super doués (Zach Braff pour Garden State, Liev Schreiber pour Tout Est Illuminé, Kerry Conran pour Captain Sky)
4. des preuves que la bête du blockbuster bouge encore (La Guerre des Mondes, King Kong)
5. la vitalité paradoxale du « nouveau » cinéma français, même si le résultat final n’est pas toujours probant (La Moustache, 3 enterrements)

L’avantage avec les films dits « pour enfants », c’est que le critique tient enfin l’arme absolue et irréfutable pour départager les prétendants au titre « best show of Noël »… et ce sont bien sur ses propres enfants … puisque la vérité sort toujours de la bouche des enfants.. Pour savoir qui de Harry Potter IV ou de Narnia I gagne la queue du Mickey, rien de plus simple donc, prenez un enfant d’un peu moins de 4 ans, un peu dégourdi (et qui a donc déjà vu Matrix et Prédator.. enfin au moins l’un des deux) et trainez le au ciné après l’avoir dissimulé dans votre sac de sport pour éviter les regards hallucinés des autres parents qui emmènent eux leur ados puisque ces deux films sont déconseillés au moins de 12 ans.. Le résultat de l’expérience ne souffre aucune discussion.. A ma gauche, Harry Potter: après une heure de dragon et de potion magique amphibie, le sujet tourne en rond dans le ciné, demande 2 fois à faire pipi et réclame 3 fois du pop corn. A ma droit, Narnia; l’enfant, qui n’a pas décollé de son siège durant une heure, demande finalement si après la grosse bataille y’aura encore plein plein d’histoires et, une fois la lumière rallumée à son grand désespoir, interroge son papa pour savoir si on peut acheter le 2 en DVD… CQFD… Narnia vainqueur par KO.

Petite déception toutefois pour ceux qui pensaient que ce film, comme le Christ de Mel Gibson, contenait un message chrétien caché.. si c’est le cas, la cachette est trop bonne.. Comme pour la Passion selon Saint Maso, Dieu joue plutôt l’arlésienne… comme souvent vous me direz.. Mécréants… heureux ceux qui croient sans avoir vu… Enfin il nous reste Franck Capra… et Fincher… qui ne tourne plus rien celui là, quelle fainéasse… finalement c’est vraiment un auteur..

Bon, je suis fou de Binoche, et j’aime bien Ferrara, même s’il n’a rien fait de bien depuis des lustres. Mary reste dans la même veine, pas mal mais sans plus. Pourtant, le message christique est intéressant, surtout pour Ferrare, qui, pour une fois, fait dans la dentelle : pas d’outrance, pas de violence, pas de sexe. Tout reste assez intellectuel, à l’image des théologiens invités longuement dans le film à parler du rôle de Marie Madeleine auprès du Christ.

A voir, mais surtout pour les spécialistes du cinéma chrétien !

Business as usual : il parait que ce film est une commande, pour rembourser le passif de Spider. Espérons que c’est vrai, parce que ce film ne vaut pas grand chose. Le scénario, adapté d’une BD (ceci expliquant souvent cela (Les Sentiers De La Perdition, par ex.)), tient sur une page :

Un decent american people (Viggo Mortensen) tient une petit diner dans une petite ville américaine. Il a une jolie femme qu’il baise comme un puceau.

Débarque deux tueurs qui prennent son restaurant en otage. Ni une ni deux, Viggo les envoie ad patres. Il passe à la télé, en american hero malgré lui, ce qui attire l’attention de Ed Harris, défiguré avec lunettes noires (c’est le méchant). Il dit que Viggo n’est pas ce qu’il prétend être. Il affirme qu’il est un ancien tueur très cruel de la mafia, et que c’est lui qui l’a défiguré. Le méchant menace sa famille, Viggo l’envoie ad patres. Ca attire l’attention du frère de Viggo (Cétait donc VRAI !!). Le frère (joué avec des semelles de plombs par William Hurt), est pas content : Viggo l’envoie ad patres.

Et voilà, c’est fini.

C’est l’histoire d’un jeune type avec des grosses lunettes. C’est l’histoire d’un vieux monsieur aveugle. C’est l’histoire d’un type qui trouve un anneau. Ce type est joué par un type qui a joué un type qui détruit un anneau, dans un film qui a coûté 40 fois plus cher. C’est un film réalisé par un type (Liev Schreiber) qui a joué dans « La Somme De Toutes Les Peurs » et Scream 1, 2 et 3. Ca vous fait peur ? Vous avez tort.

C’est l’histoire d’un américain en Ukraine. C‘est l’histoire d’un ukrainien. L’américain est juif, l’autre pas. L’américain recherche l’ukrainienne qui a sauvé son grand père des nazis, en 1942. L’ukrainien et son petit fils ont monté un business : emmener les riches juifs américains qui veulent retrouver des traces de leurs ancêtres, victimes de la Shoah.

Des films sur la Shoah, y’en plein, et pas que des bons. Mais là, c’est un premier film, et c’est un grand film. Un film qui part de la comédie (le choc des cultures, l’Ukraine, les USA*), et qui glisse tout doucement, de gag en gag, vers son sujet : Les souvenirs, la mémoire…

Sur un sujet aussi casse gueule, il était facile (surtout pour les américains) de faire dans la faute de goût. Ce n’est pas parfait, il y a trop de musique, quelques effets faciles, mais Liev Schreiber tient son sujet jusqu’au bout. Probablement grâce au garde fou du livre éponyme de Jonathan Safran Foer , il ne sombre jamais.

* on sait depuis Armageddon, que l’Ukraine et les USA, c’est la même chose : « Depuis la Chute du Mur, les américains ne peuvent taire plus longtemps leur authentique amour des russes. Car dans le fond, qu’est ce qui ressemble plus à un russe qu’un américain ? Même culture pionnière, même mythologie de conquête et de valorisation du territoire, même esprit fermier. »

Avec les conseils de mes amis, il faut se méfier. On m’avait promis avec Open range le retour de Kiki, the Artist Formerly Known as Kevin Costner. J’ai toujours aimé Kiki, même dans sa chute. L’idée d’un retour au western, pur et dur, authentique, ne pouvait que séduire l’amateur de réalisme qui sommeille en moi.

Je profitais donc d’un rendez vous raté avec Monsieur Kong, dû à une rocambolesque histoire de parking déficient, pour louer en DVD l’opus en question.

Las, dès les premières minutes, il devint évident que nous nous dirigions vers le nanar absolu. Passé les premières minutes splendides (Le Wyoming, le vent dans la prairie, le tonnerre, la pluie), l’inanité des dialogues avait fait son œuvre. Oui, on cherchait à faire vrai, à sonner comme les vraies gens de l’ouest du XIX°, mais cette idée était pathétique.

Les méchants étaient très méchants (ils tuent même le chien) ; les gentils étaient très gentils (sur le chemin de la vengeance, ils sauvent un chien) ; les vierges, très vierges (Annette Benning, vierge ???).

Les dialogues assez croustillants finirent par me dérider ainsi que mon compagnon d’infortune, et nous passâmes la suite du film à l’étage du deuxième degré.

Avec King Kong, Peter Jackson signe un retour inespéré dans la catégorie des films « ooh » « aah ». Ces films, ce sont ceux qui vous font passer deux heures (ici 3) de bonheur pur et simple, qui donnent envie de taper dans les mains et de hurler au réalisateur « encore, encore ! ». Des films sans prétention artistique, si ce n’est de divertir.

Inespéré, car les trois derniers pensums de monsieur Jackson autour du Retour du Roi des Deux Tours de la Compagnie de l’Anneau, on pouvait craindre le pire. Certes, la tâche n’était pas facile, la montagne tolkiennienne se dressait devant lui, avec ses millions de fans attendant dans l’ombre de Mordor pour punir la moindre faute de goût. Au final, une adaptation pas si ratée que ça, mais des films pesants, répétitifs, et loin de l’esprit de Tolkien, s’il en respectait pourtant la lettre.

Là, probablement libérée par l’absence de chef d’œuvre à adapter (le film originel est un chef d’œuvre, oui, mais de série B), Jackson semble libéré. D’autant plus qu’il a trois succès monumentaux derrière lui et qu’Hollywood doit probablement hésiter à lui faire la moindre remarque. C’est pourquoi il se permet à peu près toutes les fantaisies. Reconstitution des années 30, intro longuette sur la Grande dépression et son impact sur ses personnages, avant d’entrer dans le vif du sujet : l’Ile, les cannibales, le Singe, etc.

A partir de là, ça casse la baraque, période Spielberg des grands jours : les morceaux de bravoure s’enchaîne, et s’autorise même quelque séquences humoristiques. Quand on croit avoir atteint le sommet, il remet ça à la séquence d’après, et ce rythme va tenir jusqu’au bout.

Il réussit la gageure de faire croire à la fois au film d’action, à l’histoire d’amour avec le singe, à l’histoire d’amour avec le scénariste, tout en prenant le temps de croquer aussi d’un trait ses autres personnages (le capitaine louche, le réalisateur monomaniaque, le gentil assistant, etc.). Il se paie même Hollywood au passage, et ses passages sur le monde su cinéma sont assez croquignolets : bref, ne boudons pas notre plaisir, on en redemande !

Petite parenthèse : que c’est pénible ces titres de film pas traduits. Parce que je veux bien, mais match point ça veut dire balle de match. Pas autre chose. Pas de jeu de mots intraduisible. Pas de double sens ésotérique. Rien. Balle de match. Ca veut dire ce que ça veut dire. Rien d’autre.

Bon. Le film. En fait, si l’on en croit Télérama, il est bien meilleur que le dernier qui s’appelait on ne sait plus très bien comment. D’ailleurs celui-ci était déjà bien meilleur que son prédécesseur. C’est ça qui est bien avec Woody Allen. Il se bonifie avec l’âge. C’est vrai ça, quand on revoie Manhattan (Manhattan), Guerre et Amour (War and Love), on se dit, quand même, quel chemin parcouru !

Bon. Le film. Si vous avez vu Crimes et Délits, grosso modo, c’est le même argument. L’homme est naturellement mauvais, mais c’est de la faute de la femme, plus exactement des blondes. Et c’est un peu le problème de Woody Allen. Pourquoi raconte-t-il toujours la même chose, avec si peu de façons différentes de le faire ? Woody Allen ne sait jouer que sur deux registres : le comique burlesque et le drame psychologique. Ici, il a tenté de nous jouer le coup du thriller. Mais on voit bien que ce n’est pas sa tasse de thé. Pour le reste, les acteurs sont formidables. Quoique Scarlett ne nous fera pas oublier Lost in Translation. Les décors sont formidables. La photographie est formidable. Mais bon. On sort de là avec une impression de déjà vu de façon pas très différente qui est quand même assez désagréable.