C’est la sensation du mois, et peut-être la découverte de l’année. Un film, Martha Marcy May Marlene, et une comédienne Elisabeth Olsen, 28 ans. Elisabeth n’est autre que la sœur des célèbres Mary Kate et Ashley Olsen, qui traînent leurs guêtres à la télé depuis qu’elles sont bébés.

Mais ici, c’est une vraie comédienne qui naît, intense, quelqu’un qui peut tout faire passer en un simple clin d’œil. Et il en faut de la subtilité pour ce film écrit et réalisé par Sean Durkin, et qui traite d’un sujet complexe, les sectes.

Au début du film, Martha en quitte une. Elle s’enfuit, appelle sa sœur, qui la recueille dans sa luxueuse villa de vacances, au bord d’un lac paradisiaque. On croit donc que Martha est sauvée, mais non, pas si simple. On ne sort pas indemne de deux années d’endoctrinement.

C’est la finesse du film, d’alterner flashbacks et séquences d’aujourd’hui, sans vraiment les différencier. Car on est dans la tête multiple de Martha Marcy May Marlene. Martha, c’est son vrai prénom. Marcy May, c’est celui que lui donne Patrick, le leader de la secte, pour mieux la déshumaniser. Et Marlene, c’est le prénom de couverture, quand on répond au téléphone. Entre tous ses prénoms, « M » est perdue, moitié ici, moitié dans l’ancienne vie.

Une vie simple, frugale, où l’on partage tout, opposé à une vie où l’on a tout (Merlot, hors bord, lac privé…) mais où il manque peut-être un sens à la vie. Car Sean Durkin est malin, il ne caricature pas l’univers sectaire. Au contraire, il le magnifie. La vie est douce à la ferme, on se désintoxique des excès du capitalisme occidental, on se purifie, on partage les tâches. La manipulation n’en est que plus discrète, et partant, d’autant plus forte. D’où la confusion qui règne dans la tête de M, formidablement rendue par le montage cut de Durkin.

Dans ce premier film, Durkin fait preuve d’une très étonnante maîtrise : on admirera tout aussi bien dans Martha Marcy May Marlene la musique, discrète et paradoxalement présente, à l’harmonie – dissonante – des sentiments contradictoires de M, que le cadrage, magnifique, ou l’image dénaturée qui vient servir le propos.

Martha Marcy May Marlene représente ce que le cinéma US indépendant peut produire de mieux ; ce qui, avouons-le, n’était pas arrivé depuis longtemps…

Jean Giraud, alias Gir, alias Moebius, quasi inconnu du grand public, est une légende. Cette légende vient de s’éteindre à 73 ans, et c’est bien trop tôt pour tout le monde.

Car Moebius était un immense dessinateur, aux techniques multiples, un défricheur, et une grande influence sur le cinéma mondial.

Son histoire elle-même est étonnante : dessinateur classique, chapeauté par son mentor, le scénariste Jean-Michel Charlier, Jean Giraud crée Blueberry, probablement la série la plus passionnante de la BD francaise, faisant évoluer son personnage (et son dessin) de manière incroyable en 50 ans d’existence. Mais c’est la rencontre avec Druillet et Jean-Pierre Dionnet, qui mènera à la fondation du magazine Métal Hurlant, qui sera l’élément déclencheur.

Comme cela est magnifiquement raconte dans Métal Hurlant, La Machine à Rêver, de Gilles Poussin et Christian Marmonnier, c’est le jeune Dionnet (28 ans) qui pousse au cul le plus vieux (Jean Giraud, 37 ans), le plus expérimenté, le plus connu, à sortir des sentiers battus, n’hésitant pas à refuser purement et simplement ses planches trop conformiste du dessinateur-star. Il « décoince » Giraud, l’incitant à faire ce qui lui plait (de la SF) ; il fait sortir de la chrysalide Giraud le papillon Moebius. Un chef d’œuvre en éclôt : Le Garage Hermétique. Une œuvre tellement influente que quand Métal, au sommet de sa notoriété, ouvre sa succursale US en 1977, des petits jeunes méconnus (Spielbarg, Lucas, Ridley Scott…) se pressent au cocktail new yorkais pour rencontrer la légende.

C’est ainsi que Moebius allait devenir cette référence graphique, et participer à quelques chef d’œuvres (le projet avorté Dune, Alien, Blade Runner, et évidemment, le très Moebiusien Tron), puis Willow, Abyss, Le Cinquième Élément.

Souvent citée par les réalisateurs, son œuvre dessinée, trop délirante, trop poétique, n’a pas encore connu d’adaptation satisfaite. Même Blueberry, écrit au cordeau par Maître Charlier, a (parait-il) été massacré par Jan Kounen.

Pour l’anecdote (que je tiens de Michel Vaillant lui-même), Jean Giraud vint un jour déjeuner sur le plateau de Blueberry. Ils se mettent évidemment à parler BD, et Jan Kounen confie sa passion pour Moebius. « J’aimerais bien le rencontrer » conclue-t-il, avant que la tablée n’éclate de rire.

Espérons que son décès libère désormais l’imagination des adaptateurs.

Ça faisait très longtemps que je voulais voir Network, après l’avoir raté lors de ses multiples rediffusions télé. Mais grâce à TCM, le paradis du cinéphile, c’est chose faite. J’ai enfin vu le brûlot anti media de Sidney Lumet.

Le pitch : dans les années 70, le présentateur vedette de la chaîne UBS est remercié. Lors de son dernier 20h, il annonce qu’il va se donner la mort. Cynique, le dirigeant du groupe audiovisuel UBS (Robert Duvall) et une jeune directrice des programmes (Faye Dunaway), décide d’exploiter le filon et le laisse à l’antenne. Carton d’audience, évidemment. Malgré les appels à la prudence du directeur de l’information (William Holden), le show va dégénérer en téléréalité délirante, allant jusqu’à intégrer The Mao Tse Tung show, qui diffuse des images d’actions terroristes.

Même si le film est très marqué 70’s (acteurs hystériques, contexte politique post-68, et sexualité omniprésente alors que l’intrigue ne le réclame pas,..) Network est très réussi. Critiquant la société américaine et ses outrances (les TV people cyniques y sont renvoyés dos à dos des spectateurs bovins, dépourvus de tout discernement), et mettant en parallèle, les grandes corporations et les organisations terroristes : AT&T ou l’Armée Œcuménique de Libération, c’est du pareil au même.

Il ne suffit pas, pour réussir un film, d’accumuler une incroyable somme de talents. Un romancier génial (Jonathan Safran Foer), de talentueux acteurs (Tom Hanks, Sandra Bullock, Max von Sydow, et tout particulièrement le jeune Thomas Horne), Alexandre Desplat à la musique et Stephen Daldry à la réalisation, un habitué du succès (Billy Elliott, The Hours), Scott Rudin à la production, n’en jetez plus, la coupe est pleine…

Non, le cinéma fait partie des Arts Etranges, de la magie du Côté Obscur, des sombres alliances avec les forces telluriques des Unseelie. Si tel n’était pas le cas, les forces démoniaques du marketing aurait totalement pris le contrôle du 7ème art et produiraient systématiquement des chefs d’œuvres, ce qui n’est pas le cas, on en conviendra…

Non, le cinéma reste une industrie de prototypes, et c’est tant mieux.

Dès le début du film, on est envahi par la voix off et une musique qui se veut légère mais qui plombe chaque plan, nous guidant maladroitement dans les émotions que nous sommes censés ressentir. Ces deux là vont éteindre en nous, dès les premières minutes, la flamme du mélodrame qui ne demandait qu’à brûler, cette étincelle de magie qui manque cruellement à Extrêmement Fort et Incroyablement Près…

Pourtant cette histoire avait tout pour nous émouvoir : après la mort de son père (Tom Hanks) dans la tragédie du World Trade Center, un enfant légèrement psychotique cherche désespérément le propriétaire d’une mystérieuse clef trouvée dans les affaires paternelles. La relation père-fils était fusionnelle, cette quête ne fait que détruire l’enfant déjà instable.

Comme dans tout bon récit d’aventure, le jeune Oskar va néanmoins rencontrer un mentor, dans la peau d’un étrange vieillard énigmatique et muet (Max von Sydow). Il va aussi s’éloigner de sa mère (Sandra Bullock), et vivre plein de péripéties avant d’achever sa quête.

Tout ce qui marchait formidablement dans le chef d’œuvre méconnu de Liev Schreiber qu’est Tout Est Illuminé, une autre quête sur les racines, adaptée du livre éponyme de Jonathan Safran Foer. Mais ce film là réussissait le tour de force de passer de la comédie (le petit juif new yorkais coincé qui débarque chez des ukrainiens free style) à la tragédie (les traces de l’extermination…)

Dans Extrêmement Fort et Incroyablement Près, on commence par la tragédie, et c’est tout le problème. Daldry voudrait nous laisser pénétrer dans le drame intérieur vécu par cet enfant, mais sa voix off ne fait que nous en sortir. Refusant de se détacher des excellents dialogues/monologues vifs et brillants, probablement extraits du roman, Daldry et son scénariste plombent le drame. Au lieu d’être touchés, on a vite qu’une envie : mettre deux claques au préado, malade d’Asperger ou pas, lui crier que son père, Tom Hanks ou pas, est mort, et qu’il ne reviendra pas, et le remettre sur le droit chemin ! Les obsessions habituelles de Foer (troubles compulsifs, collections diverses, sacs plastiques zippables, régimes végétariens, peur de l’étranger, nostalgie mitteleuropa), tout ce qui faisait le sel de Tout Est Illuminé, transforment Extrêmement Fort et Incroyablement Près en goulasch immangeable.

Dommage, on aurait bien aimé aimer.

« Faire les choses sérieuses avec légèreté, et les choses légères avec le plus grand sérieux » : voilà une profession de foi qui me convient.

Elle semble convenir parfaitement à Kick-Ass, un film important déguisé en pochade pour ado.

Je n’aime pas les films de super héros, mais je dois convenir qu’une vague de modernisation de ce concept souffle depuis quelques années. BD d’Alan Moore (Watchmen, Promethea, Topten), films déconstructivistes (Incassable, Hancock, Spiderman) et maintenant, Kick-Ass.

Le film part d’une idée simple : comment apparaissant les super héros ? Probablement du cerveau d’un ado puceau, fan de comics, rêvant de vivre les aventures pour de vrai, et d’émerveiller ainsi une petite amie potentielle… Un tour chez Mr Bricolage, et voilà un joli costume jaune et vert, du meilleur effet. Ajoutez-là une (vaine) tentative d’interposition lors d’une bagarre, filmée évidemment sur Smartphone par la foule en délire (qui ne vient pas à l’aide de notre infortuné héros , scène-clef du film), puis Twitto-Facebookée, et voilà notre héros mondialement connu. Malin, Matthew Vaughn joue la carte de la dérision sur ce versant-ci : pas besoin d’une mère tuée par quelque gangster, ou d’une enfance sur Krypton, ou d’une araignée radioactive pour devenir super héros. Mais Vaughn ajoute bientôt un autre versant, où il reprend toute cette thématique, au sérieux cette fois-ci. Big Daddy et Hit Girl, le père et la fille, sont des vigilantes plus traditionnels ; leur femme/mère a été tuée par le parrain local, et ils veulent se venger. Bientôt les deux intrigues vont se lier, pour le plus grand bonheur du spectateur. Car le film mélange avec soin la parodie (Nick Cage en Batman, père de famille modèle et fan de la NRA), la tragédie (le fils du parrain qui veut devenir parrain mais n’en a pas réellement les « qualités »), la love story teen movie (et son lot de problématiques crypto-gays), les références pop (« This Town Ain’t Big Enough for Both of Us » des Sparks, Lost, Batman, Superman…), le film d’action (des fusillades à couper le souffle), le tout dans un New York nimbé de lumière, mi-réaliste, mi-fictionnel.

Et sous cette couche d’entertainement, coule une rivière glacée, politique, un portrait en creux d’une Amérique surarmée, fascinée par le pouvoir des armes et la violence, en quête d’un homme providentiel pour la sauver, plutôt que de faire le premier geste civil qui pourrait tous nous sauver.

Ne ratez pas les prochains films de Matthew Vaughn, ni de sa tripotée d’acteurs, tous aussi doués les uns que les autres…

Au football, un seul joueur peut parfois sauver le match. Mais le cinéma est, comme le rugby, un sport éminemment collectif, et même un excellent acteur comme George Clooney ne peut pas sauver The Descendants de sa terrible médiocrité.

Le film d’Alexander Payne est en effet le paradigme de ce qu’est devenu le cinéma indépendant. Il n’a plus rien d’indépendant (budget : 20M$), il dépend d’une grosse star (Clooney), il est accompagné d’une petite musique folk en permanence, et il prétend s’attaquer à de grands thèmes (la vie, la mort…) tout en restant très dilettante.

Payne part ici sur deux belles idées : le pitch, d’abord : une femme dans le coma, et un mari obligé de s’occuper de ses filles alors qu’il va découvrir que sa femme le trompait. Et une situation, ensuite : Hawaï, l’envers du décor. Cette deuxième partie est assez bien faite, bien que Payne lâche l’affaire en route ; mais il arrive plutôt bien à rendre cette vie indolente des îles, où tout le monde connaît tout le monde, (ou est le cousin de tout le monde) et où l’on vit en tongs et en bermuda à fleurs, que l’on soit riche ou pauvre.

La première partie, par contre, est une catastrophe, d’abord à cause du misérable talent de Payne (Sideways m’avait énervé, j’aurais dû me méfier). Ne sachant pas filmer un mélo, le réalisateur indépendant-mais-pas-trop ajoute une petite guitare folk à chaque fois qu’il veut qu’on soit triste, et une guitare hawaïenne dès qu’il prépare un gag. Or selon la célèbre Fatwa de Carrié, « Un Film Ne Devrait Pas Avoir Besoin De Musique !!! »*, donc The Descendants n’est pas un film, CQFD.

Mais surtout, et ce n’est pas trop la faute d’Alexander Payne, mais son film est américain, de la manière la plus consternante qui soit, c’est-à-dire du côté des family values. Les parents (et surtout le père, George Clooney) n’ont aucune autorité sur leurs enfants. Ils ne la regagneront qu’en devenant « a better person ». L’adultère y est décrit comme le pire crime possible, mettant les personnages dans des postures incroyables pour des européens, a fortiori des français. Certes, Madame Clooney a menti, et son amant** – comble du comble – a couché avec elle alors qu’il ne l’aimait pas ! Mais bon, les amis, il y a quand même la guerre en Afghanistan, la crise de l’Euro, et peut-être la relégation de Monaco en National…

On se moque, bien sûr. L’amour trahi, la jalousie, la rédemption, tout ça aurait pu faire un joli film, surtout avec Clooney prouvant qu’il est capable de tout jouer, même en tongs.

Mais pour cela, il aurait fallu un réalisateur.

* Spielberg le dit plus gentiment « Si en coupant le son, on comprend toujours le film, c’est qu’il est réussi »
** L’amant est évidemment agent immobilier, la pire profession possible après avocat (ce qu’est Clooney)

Bon, ben je crois qu’il va falloir y aller maintenant…

Selon le Théorème de Rabillon, il est impossible d’éviter La Taupe ; le vrai film d’espion que le 7ème art nous gratifie tous les dix ans. C’est à dire le film d’espionnage réaliste : manipulations, agents retournés, taupe, etc. Pas de coups de feu, pas de gadgets, pas de détection satellite flacon Google Earth, non, le bon vieux polar psychologique façon John le Carré. Ça tombe bien, La Taupe est l’adaptation de Tinker, Taylor, Soldier, Spy dudit Le Carré.

On ne boudera pas son plaisir devant le gratin d’acteurs british aux petits oignons : l’immense Gary Oldman, Colin Firth, Ciaran Hinds, etc.

On pourra reprocher plein de trucs, un peu trop lent, un peu trop ampoulé pour une intrigue assez simple, la Loi de Bordes, etc. ; c’est formidablement filmé, même si j’attendais un tout petit peu plus de Tomas Alfredson, le petit génie de Morse.

Mais bon, pas de chichi, La Taupe délivre la performance attendue, comme on dit dans le marketing d’aujourd’hui.

Nous avons repris le travail avec la Professorinette, après le cliffhanger de la saison 1. J’étais presque déçu, à vrai dire, par cet épisode gnan gnan, et pour tout dire, gentillet.

J’avais oublié que Twin Peaks était le chef d’œuvre incontesté du mélange des genres, car les dernières minutes de ce demi-pilote (90mn) ramenait la série de Lynch et Frost du côté de la violence inouïe et de la terreur pure.

Quelques signaux nous étaient parvenus quelques minutes auparavant, quand les scénaristes avaient réussi à nous faire pleurer et rire à la fois pendant le récit tragique de l’histoire d’amour entre Ed, Nadine, et Norma. Car l’on pouvait, en tant que spectateur, se mettre soit du côté du drame, comme l’empathique Dale Cooper, soit rire devant ce mélo cliché pour bouseux mal dégrossis, et rejoindre ainsi le sarcastique Agent Rosenfield (Miguel Ferrer).

De même, quelques minutes plus tard, une soirée familiale chez les Palmer passait du rire au drame le temps de Get Happy, la chanson de Judy Garland…

C’est la force, et le génie, de cette série hors normes…

On me reproche d’utiliser à tort et à travers, et surtout hors de propos, ce qualificatif. Je vais essayer d’expliquer ce que j’entends par là.

Qu’est-ce qu’être gentillet dans le cadre d’une œuvre ? Disons que c’est quand un artiste essaie de produire une œuvre « confrontante », en clair un truc censé être violent, dérangeant, décapant, mais qu’au final, cette œuvre retombe sur ses pieds bien pensants. Comme une guitare saturée qui se la joue heavy metal dans une chanson de variété : rock, mais pas trop fort…

Ainsi Walking Dead, le comic-book, ou la série, sont des œuvres Gentillettes : situé dans un univers pourtant désespéré (l’Apocalypse Zombie), elles restent finalement dans le créneau très étroit du mélo américain : famille nucléaire, père-mère-fils, aimons-nous-les-uns-autres-bordel-de-merde ! Le moindre franchissement des valeurs familiales est sanctionné ; le personnage s’en excuse d’ailleurs quelques pages plus loin. Comme si personne ne pouvait tromper sa femme ou mentir à son fils après la fin du monde.

Ce n’est pas tant que ces valeurs soient à jeter (elles font parfaitement l’affaire dans Pretty Woman ou dans Tintin), c’est simplement qu’il y a vis-à-vis du public mensonge sur la marchandise. Walking Dead se présente comme une œuvre clivante (zombies, têtes tranchées, el toutim…), ce qui n’est pas le cas de Tintin.

Autre exemple, de deux œuvres prétendument décapantes : Desperate Housewives et Sex and the City. Dans les deux cas, on nous promet que ça va charcler grave sur les femmes d’aujourd’hui. Mais dans Desperate Housewives, on retombe aussi vite sur des valeurs très traditionnelles : madame rentre au foyer, et les vaches sont bien gardées. Sex and the City, au contraire assume ses choix jusqu’au bout. Une série pleine d’empathie pour ses personnages, mais qui n’hésite pas à franchir la ligne jaune… Sans s’en excuser après.

Cela pose, au fond, le problème du réalisme. Dans l’univers de Tintin, il est aisé de comprendre que même si notre reporter belge commet quelques péchés véniels (se saouler, par exemple) ; on sait qu’il expiera bientôt, avec un petit Milou, ange et démon, sur chaque épaule. Les méchants d’ailleurs sont le plus souvent ridicules, et inoffensifs. Mais dans un monde détruit par l’apocalypse, il est difficile d’imaginer que la société n’ait pas évolué un tant soit peu : La Route fournit un aimable exemple, en contrepoint de Walking Dead. Sans aller jusque là, des films aussi différents qu’Esther, Watchmen, Alien vs Predator, La Colline a des Yeux, Spiderman vont au bout de leur situation initiale et en assument les conséquences… Tout comme les conclusions drôles mais pessimistes de Seinfeld répondent à la niaiserie des fins d’épisodes happy-ending-serrons-nous-dans-les-bras de Friends.